独立策展人及“草间弥生：一九四五年至今”回顾展联合策展人吉竹美香 摄影：Winnie Yeung @ Visual Voices 图片由 M+提供
采访&撰文_孟媛
“草间弥生：一九四五年至今”回顾展正在位于中国香港西九文化区的M+博物馆展出，以庆祝博物馆开幕一周年，这是艺术家草间弥生在日本以外的亚洲地区举行的最大型回顾展。展览由M+副总监及总策展人郑道炼及独立策展人吉竹美香共同策划。艺术中国独家专访了独立策展人吉竹美香，她为我们讲述了她眼中的草间弥生。
艺术中国：请问您还记得和草间弥生第一次见面是在什么时候吗？
吉竹美香：我记得是在2016年的1月，在美国华盛顿赫什霍恩博物馆和雕塑园(Hirshhorn Museum)，草间弥生展览“无限镜屋”中，那次会面让我印象深刻。草间弥生对于展览策划的方方面面都非常的上心，她展出的作品也非常有力量并且充满活力。从那之后我又见了她很多次，在这次展览前的上一次见面是在2018年。
《玉米的枯叶》1945年 岩彩纸本 38 × 50厘米 艺术家自藏 ©草间弥生
艺术中国：2021年您在美国纽约植物园策划了“草间弥生：宇宙自然”（2021）展览，本次回顾展与2021年的这次草间弥生展览相比来说有哪些发展变化呢？
吉竹美香：这是我第三次策划草间弥生的展览，前两次展览有些相似之处。第一次是“无限镜屋”，将宏观与微观世界联系了起来，展览中展出了她早期1940年代以及1950年代直到现在的作品。第二次展览在纽约植物园展出，聚焦于生物形态的进化与转变，并且关注宇宙世界。草间弥生在1929年出生，她家有很多土地种植了很多的植物，所以她生长的环境中充满了植物与花朵。我想要在展览中去探寻作品背后的故事，比如为什么她的作品中总会出现如此多的植物与花朵。
“草间弥生：一九四五年至今”展览现场 2022年摄影：郑乐天 M+，香港
本次展览是一次回顾展，我们设置了6个主题来体现草间弥生的艺术生涯。她的艺术生涯可以说是从二战时期开始的，充满了精神疾病以及政治因素。她在60年代到达纽约后，面对的是一个白人男性所主导的艺术社会，作为日本女艺术家，她需要面对很多差异性。“全面连结”这是一个非常有哲学性的主题，意图将人与人联系在一起。这一主题是从越南战争的时代背景中产生的，实际上也是从她自己的哲学中产生的，她想要人们去了解自我，并且草间弥生认为从共享经济，以及很多人对她的作品做出反馈的社交媒体看来，人们是彼此平等的。“生物宇宙”其实来源于对2021年我策划的“宇宙自然”展览的研究，将“生物”与“宇宙”两者连结在一起。以上这两个主题是非常独特的，此外本次展览的主题还有“无限”“积累”“死亡”与“生命的力量”。我们在本次回顾展中并不想按照以往编年史的顺序去进行叙事，而是想从这六大主题去展示出草间弥生全部的艺术生涯，这也是本次回顾展和以往两次展览相比而言最大的不同。
草间弥生 《自画像》1950年 油彩布本 34 × 24厘米 艺术家自藏 ©草间弥生
艺术中国：草间弥生的作品中有对于精神疾病的反抗和挣扎，在本次展出的草间弥生作品中，反映了草间弥生对人与社会，人与自然，生与死怎样的思考？
吉竹美香：确实这些都是她在作品中经常表现的主题。在1940-50年代，很多艺术家都在关注这些主题，她所做的是去超越这些主题而不是逃避。作为前卫艺术家，她想要找到一种强有力的艺术表现方式去和现实主义对话。超现实主义实际上就是这样一种方式，可以看到草间弥生早期的作品中有一些与众不同的思考，甚至有一种幽默感。比如在草间弥生在1950年的早期绘画《自画像》。在这一幅画中她将自己的形象描绘得像是一朵向日葵，在向日葵状的脸部周围有荡起的涟漪，使得脸部很像是处于漩涡的中心。在这些漩涡的黑色空间里草间弥生描绘了很多细小的“无限的网”，这是她对于这一概念的较早期的表达。这件作品很有趣的是她把自己描绘为一朵花，艺术家的脸被模糊化，自我被消融了。这是什么意思呢？其实当你经历了不同的时间阶段，对于草间弥生来说她度过了自己从1950年代至今这70多年的艺术生涯，随着时间的流逝，她看待自己的方式以及表达自己的方式也在变化着，她对于人与自然，生与死等这样宏大的主题的思考也在变化着。
“草间弥生：一九四五年至今”展览现场 2022年 摄影：郑乐天 M+，香港
艺术中国：在草间弥生的作品中一直有一种艺术疗愈心灵的力量，她称之为心身艺术（Psychosomatic Art），从1963年12月格特鲁德.斯坦画廊“千舟联翩”草间弥生个展的第一件装置作品，到近期的《我永远的灵魂》系列（2009–2021）及《我每天为爱祈祷》系列（2021至今），她一直以艺术来对抗恐惧与精神疾病的折磨，您怎样看待这样一种治愈的力量？
吉竹美香：“心身艺术”的概念最早是在草间弥生对她的“积累”系列软雕塑的阐释中提出的，也是草间弥生以雕塑的形式来表现自己的“无限”观念。草间弥生一直对于“性”有一种恐惧感，也对于食品，尤其是“消费社会”有自己的担忧，在美国的很多人食用罐头食品，摄入了太多的食物。她觉得用艺术创作来强调和创作出更多她的恐惧源，就能更好得对抗自己内心的恐惧。“心身艺术”的出现与草间弥生这种心理上的焦虑是分不开的，她创作“积累”系列软雕塑来治愈自己。
《性爱执念》1992年 塑胶彩布本，共两屏 194 × 260厘米 Lito and Kim Camacho Collection ©草间弥生
《无题（椅子）》1963年缝制填充织物、木、颜料81 × 93 × 92厘米艺术家自藏 ©草间弥生图片由草间弥生纪念艺术财团提供
“千舟联翩”这件装置作品中，草间弥生将她的“积累”系列标志性的软雕塑覆盖在了一艘船上，展厅的天花板和墙壁全都贴满了这艘船的黑白照片。被黑白照片包围着的船和船本身，是草间弥生以这件装置作品对“原创性”提出的质疑和思考。至于《我永远的灵魂》系列及《我每天为爱祈祷》系列作品都是草间弥生2019年之后，比较近期的作品了，和以往有很大的变化。草间弥生坚持进行创作，已经有超过900多件作品了，对于一个长期居住在精神疗养院的人来说，实属不易，非常得令人佩服与惊叹。对于草间弥生来说绘画就是她赖以生存于世的牵绊，艺术对于她来说是一种治愈的力量。
《神经的死亡》（2022）于“草间弥生：一九四 五年至今”展览现场，2022 年 摄影：郑乐天 M+，香港
艺术中国：您如何理解草间弥生创作的三件新作《神经的死亡》《圆点执念──渴望天堂的爱》与《南瓜》？
吉竹美香：我觉得这几件新作品都很特别。其中《神经的死亡》是M＋博物馆委托创作的，根据建筑空间量身打造，从博物馆上方一直垂落到“潜空间”（B2层），由多件混合颜色的软雕塑组成。这件作品源自草间弥生1976年创作的黑白色作品《神经的死亡》，那时艺术家经历了一段非常压抑的时期，这些软雕塑部分悬挂着，部分凌乱得垂落在地面上。在与之前不同的是这次艺术家赋予了新作更多的色彩与姿态，更加具有活力，代表艺术家克服了重重困难得以幸存。
《圆点执念──渴望天堂的爱》（2022）“草间弥生：一九四五年至今”展览现场，2022 年 摄影：郑乐天 M+，香港
在博物馆B2层的展演空间中草间弥生创作了《圆点执念──渴望天堂的爱》这一黑白镜屋，这在她之前的作品中也是不常见的，通常她的镜屋都是五彩斑斓的。这一变化也代表着在疫情后她的思考，她想要将这件黑白的作品与前面我提到的彩色版《神经的死亡》形成一种强烈的对比，在现场看来效果非常好。这也是草间弥生所创作的一个最大的镜屋，她在“无限镜屋”系列中都会将一间屋子的内部四壁都装上镜子，这一镜屋就像是一个在博物馆巨大空间中的镜子立方体，表现着草间弥生对于微观世界与宏观世界的思考。最后一件新作是人们都很喜爱的《南瓜》，以往观众看到草间弥生的南瓜作品一般都是左右对称的，非常的匀称，但这两个新的南瓜非常有野性，有一种超现实主义的美感。
（未完待续，更多精彩问答请关注下期）
《星尘的积累》 2001 年 塑胶彩布本，共三屏 194 × 390 厘米 松本市美术馆藏 ©草间弥生
《肖像》 2015 年 塑胶彩布本 145.5 × 112 厘米 Amoli Foundation Ltd. 藏 ©草间弥生
