【展览序言】

《序一：水墨与色彩之间》

文/ 贾方舟

高润喜是文革后第一批考取中央美院中国画系的学生，他在校学习期间正值改革开放之初，西方现代文化（从哲学思潮到艺术流派）迅速涌入，学院的老师和学生甚至整个艺术界都处在十分活跃、兴奋的状态。身在学院的高润喜更是求知欲望强烈，对于各种新的观念、新的思想、新的流派和新的形式都充满好奇和兴趣。作为一个中国画系的学生却不断地去摆弄木刻、雕塑、油画。应该说，他是最早受到西方现代艺术“启蒙”的青年之一。他对程式化的传统规范并没有太大兴趣，倒是把更多的精力投注到对新艺术的研究中。四年的学习对他以后的艺术道路产生了决定性的影响。他对形式的兴趣、对色彩的敏感以及对构成的热衷，一直延续至今，热情不衰。他的生命的激情、心态的骚动以及灵魂的不安在水墨与色彩的“碰撞”中，在笔触的“疾驰”中得了到“排解”。在他来看，忠于自己的情感或许比忠于一个画种传统风格更加重要。

一代大师林风眠曾在中国画向色彩方向推进中，作出了开创性的努力，但并未由此而形成一个以色彩为主要语言的强有力的流派。而今，致力于这方面探索的中青年画家多起来，大有希望出现一个在视觉上堪于油画媲美的“浓墨重彩”画派：它既能保留东方精神和中国画的基本素质，又能将西方近代以来的色彩成果大面积吸收进来，为中国画走向现代探出一条新路，高润喜无疑是这条新路上一位不倦的探索者。

我认为，高润喜的艺术总体上可归为一种装饰风或唯美风。这种风格以其平面性消解了古典写实追求三度空间的愿望。这种风格雏形最早出现于上世纪70年代末80代初，当时他受到西方现代艺术中的构成主义和立体主义影响，这使他得作品更注重绘画本身的形式趣味和审美价值。

高润喜的作品大体可以分为以水墨为主和以色彩为主两类构成形式。虽然风格、意趣各异，但又都以构成作为其基本表现手法。在表现内容上早已越出再现生活真实的原有框架，或以符号化处理，或以抽象为纯粹的几何形色块。从而使他的艺术更具有艺术本体的意义和平面的视觉特征。

三十多年来，高润喜主要游走在水墨与色彩之间，前一类线条简约、笔墨清雅。后一种色彩浓重丰厚，视觉效果强烈。但二者都具有现代意义上的绘画性和表现性，而这一点在本质上正与中国画是相通的。

《序二：喜看润喜新作》

文/ 邵大箴

高润喜是位善于思考和善于创作的艺术家。早在学生年代他就崭露头角。1981年，他的作品《高原飞雪》获中央美术学院首届在校生作品展一等奖。其后，他有不少作品参加国内和国际展览，受到画界的注目。

对中青年画家来说，最关心的问题是如何建立个人的风格，润喜自不例外。他在认真学习研究和认真实践的基础上，自觉地追求一种属于他自己的画风。润喜的绘画语言建筑在他对绘画本质的认识上。他的作品不以摹拟自然为目标，而以表达自己的真实感受为宗旨。他画那看得见的世界，也画那看不见的隐秘世界。他的作品是他内心情感的真诚流露。画风表现主义味很浓，不同于西方表现主义的事，他运用的语言符号清晰明朗，有构成味；他注重画面的装饰性，又始终不忘语言的深度，不忘作品的精神内涵。在他粗犷的线条和凝重的色彩中，我们感觉到生命的律动。他的作品能触发人们心理的、情结的、审美的反应，这是毫无疑问的。

有人会问，润喜的画也算中国画？我的回答是肯定的。因为所谓中国画当然包括水墨画，但不就是等于水墨画，更不就是等于文人水墨画。“中国画”在观念、技法和材质上，应该有很大的包容性，唯有如此，中国画才会获得充足的发展。

绘画是人类共通的语言，它没有民族和地域的界限。正是各民族特性和无数画家个性的表现，才使世界画坛更为丰富。然而，民族特性并非是凝固不变和静止的东西。它只在广泛的交流中，在和异己思潮和风格的矛盾冲突中，才有生命力。从这个意义上说，民族性是流动的活水，不是千年不动的死水谭。固步自封的“民族性”，意味着停滞、守旧和落后。在政治变革、经济发展和文化艺术的创造中，这个原理似乎是共同的。因此，在艺术领域，既应该鼓励发掘民族传统，借故开今的努力，也应该同时鼓励勇敢地引进外国艺术经验的一切有益尝试。外国古典艺术和现代艺术的成果，对于中国当代艺术创造，都是可供吸收和借鉴的宝贵财富。

润喜毕业于中国画系。他是虔诚地尊重和热爱民族传统的学子。但他在学习和实践的过程中清醒地意识到，在传统深厚的中国画坛，融合中西，是发展传统的必要途径。多年来，它致力于吸收西方现代艺术的养料、将其融化在中国画的创造之中。他的努力，它的创造成果，自应得到肯定和鼓励。

我相信，执著于艺术的润喜在艺途上会有更多的创新，更多的奉献。