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在十七世纪的欧洲，荷兰画家伦勃朗继承文艺复兴时期意大利大师的画风，在画面上使用强烈的黑白对比度来制造光感，画面中非常戏剧性的光凸显他对在一个二维材料中再现一个虚拟三维空间的意识。技法上他自如的运用颜料的厚薄对比和微妙的冷暖对比处理画面，掌握画面的统一和韵律。继伦勃朗之后，十八世纪英国画家康斯坦布尔更是象一个农民一样在田野里画画，他真诚的热爱着他的家乡英格兰的萨福克郡，他迷恋着那里的树，那里的水，那里飘着的云。体现对自然的纯粹尺度是他在风景画中的追求。康斯坦布尔极为严谨地描绘着他心目中家乡的大自然，他的绘画有别于古典主义的一味拘谨，他描绘的云彩是那样的生动而有力量，对天光的描绘使空间变得更深远，他完全沉浸于描绘他的极为复杂的自然景物之中。 他质朴的心态时常随着画面里的一条小溪而流向画面深处，很神秘地融化在这画面中。在欧洲十八世纪下半叶油画风景写生慢慢变为风气，逐渐的写生和工作室里的作品变得一样重要和不可分割。另一位英国画家透纳更是将风景画推向和肖像画、历史场景画相等的地位。他在表现大自然的空间、光的描绘中已萌发出印象派的观念，以致也影响到后来的抽象主义绘画。这一阶段还有象瓦伦西安、德洛克洛瓦和后来的柯罗、巴比松画派，最后以印象派的出现而进入一个全新的时代。沃克先生的前承关系是如此的清晰，我们可以从他的作品中度出这些欧洲传统的脉络。
当现代艺术的中心自二次世界大战起转移至美国后，世界各地的艺术家聚居在纽约，探讨现代艺术的发展。在绘画上，他们中的一部分人强调全新的绘画形式，甚至愿意尝试破除传统工具和制作方法来使绘画展示出新的时代面貌，他们包括波洛克，劳森伯格，詹森斯等一批伟大的艺术家。而另一部分人是从传统绘画发展出来的，以德库宁、迪本孔、佛洛伊德、沃克和艾尔巴克等为代表的画家们坚持传统绘画工具，不断的发展传统绘画中的空间观念和色彩观念，抨击“绘画已经死亡了”的悖论，将绘画推向一个富有新的生命力的艺术表现形式。在他们的绘画中毫无隐晦的主张新空间的创造，肌理的美感，特定色彩环境的表现，材料的表现，传统意识的表现。制作新的绘画形态不是他们关心的问题，用各自更加深刻、更自然的理解去表现光，表现空间和色彩才是他们的兴趣。
潮水涌来，日月星光变换，海湾里水色粼粼。潮水退去，浮光飘荡，留在海滩上的水道每每和那野性的淤泥搅在一起，潮池反射着天光，美丽着。这景致的结构在过去的几百年中没有什么更改，但此地的光每时每刻在发生变化，描绘这景色的人的心情在不断的变化。这变化足以使沃克先生兴奋无比，他将画布支在家门口的海滩上，树林中，他又把画布拖回画室里。在这个过程中他总是觉得：“只有在大自然中看到的色彩才会让我安心。” 他从来不会羞愧于“真实的描绘大自然”，“当我告诉人们我画的是真实的当天的色彩时，没有人会相信我，但这是真的。” 沃克先生总是这样告诫他的学生：“画的细致些。你还可以再准确些吗？” 在沃克先生的绘画中，我看到一种纯真的绘画态度，他是那样直接的面对大自然，直接的掌控着手中的颜料和画笔，他不需要风格的思考，他不需要某一特定符号的重复。沃克先生的绘画在某种意义上讲如同中国古典水墨画家一样。传统的中国画千多年来在绘画构图上几乎没有太大的变化：近景、中景、远景，山石、树木、行云、流水，平远，高远的空间。但画画的人在变，人的心态在变，描绘的笔墨在变。即使是后人重复前人的构图，人们仍是陶醉于那最为细微的变化之中，品味着其十万分之一差异的美感。这或许就是我们这个古老文明长久地生存在这里的缘由，或许“现代”、“革新” 对我们来说没有那样的重要。这“陶醉”、这“品味”、这“现代”或这“革新”都是需要一个有丰富学识、自信的判断。沃克先生已经做到了。
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