这样变化多端、令人赞叹的艺术，采用的抽象艺术技法和理念既多样又复杂，为何艺术界会轻易认为西方艺术史和抽象画的发明是有形和无形理念的唯一起源？
原因十分复杂，但几乎大家都知道的是，五十年代末，美国抽象表现主义轻而易举地拂去了康定斯基的源头，宣称自己是高等艺术的普遍标杆。这些理念从纽约现代艺术馆的中心、从杰克逊·波洛克完美构造的神话氛围中散发出去，最后由极具影响力、博学多才的艺术评论家克莱门特·格林伯格一锤定音，他严格地规定高等的艺术应该无所指，仅有形式本身，因为除去形式以外的任何东西，社会现实、忧虑、喜悦、工人、山峦，从定义上来说，只有颐指气使的人才会滥用，因此容易遭到错误的诠释，失去了纯粹的本质。
要理解体现有形和无形的展览，另一个方式显然是通过柏拉图来诠释，日常经验中感觉到的不断流逝的具体形式，能够传达出真善美的形而上学的普遍真理。西方学者提出了这些理念，事实上，这些想法在各种不同的古代本体系统中就存在，和古典哲学没有任何关系。
安妮塔·卡彭的照片令人震撼，其中一片静谧永恒的海洋在一幢似乎让时间停驻永恒的大厦旁，让我们不由地想到了“理想的形式”。事实上，照片图像完全是通过数码照相技术加工出来的，最原始的结构由艺术家从希腊羊乳酪造型和制作而来。卡彭是一名研究“古典”遗产的影响的希腊女子，是一名研究自己的艺术历史根基的比较哲学方面的艺术家和演讲者，她用幽默和反讽来告诉我们二十一世纪仍然在追求真理，但真理是从令人信服的图像中创造出了自己的世界，它在今天更可能发问，向谁表达真理？从哪个透镜中看真理？
这种对现代主义领域具有预见性批评质疑并非始于这些艺术家。六十年代的社会动乱在种族、性别、政治、工人权利、黑人权利等各个方面使整个欧洲四分五裂，对西方欧洲的知识体系的方方面面都提出了质疑。无论是启蒙主义对经验事实的唯一依赖，还是现代主义自由意志的理念，个人成功和集体成就，西方划分文化潮流的倾向，高雅和流行的艺术、人、思想，人们都提出了疑问。
这些类别规定出的限制令人窒息，该被感受到的必须要感受到，社会对此感到厌倦，这从遍及全球史无前例地奔向沃霍尔和流行文化可见一斑。沃霍尔在六十年代尘埃落定以后，原子能、太空旅行、飞速的变化、快速获得数据、迅速的旅行、不断加速的能够打破时间和地理上的距离的数字技术，使我们从现代来到了所谓的后现代时期。利奥塔不无谨慎地宣称“现代主义的灭亡”，预言将会出现一种奇怪的积极而碎片式的辩证法，所有过去的事物都被说成是不好的，代之而起的是全球消费文化，吞没流行潮流，穿越大众媒体，颂扬混合文化，无可避免地打破所有学科、历史、国家的界限。