时间：2010年10月29日
地点：环铁•丘挺工作室
采访人：许柏成
艺术中国：当您得知波士顿美术馆邀请您根据他们的馆藏创作一幅作品时，您最初的想法是怎样的？
丘挺：我觉得这个想法是很特别的。这是一个非常好的策展思路。特别是我们现在这个时代，中国画的创作伴随着怎么认识传统，怎么发展中国画的问题，“与古为徒”恰恰是给我们提供了一个很好的思考，就是怎么样让“思古之情，求新之念”在这里找到一个比较好的契合点。恰恰这有点像王国维先生说的宋人和那些士夫画，它们的一种状态可以来描述这个，就是说对这幅古画要有体认，要有研究和鉴赏的趣味，但是同时也要有这种求新出新的念想。波士顿美术馆这个展览的思路，对我来讲是很有意义的。
艺术中国：您之前对波士顿美术馆的馆藏了解吗？
丘挺：有一定的了解。日本曾经出版过波士顿美术馆的藏品。因为我本身对古画的兴趣非常浓厚，所以基本上它好的作品我都能如数家珍。
《湖庄清夏图》（局部） 赵令穰 北宋
艺术中国：当您得知“与古为徒”展览消息的时候，第一选择就是《湖庄清夏图》吗？
丘挺：没有，这个倒是经过反复酝酿的。波士顿美术馆馆藏的好东西非常多，而且有很多画是我喜欢的，最后我选择这幅画也是在反复的取舍中以它为蓝本的。因为我之前在杭州，对那种平远迷离的山水视像的记忆非常浓烈，所以想选择赵令穰的这幅画作为对话的蓝本。
艺术中国：在选择赵令穰这幅作品之前，曾经考虑过哪些作品？
丘挺：有一张传为郭熙的作品，叫做《雪景寒林》，也是我考虑的。比如还有像陈容的《九龙图》，也是我很喜欢的作品。
艺术中国：您的博士论文曾描述、探讨《湖庄清夏图》，涉及哪些方面？
丘挺：涉及的主要方面是古人如何师造化，他们题材的专题化和细致化。哪怕是一个非常平凡的景物，如果你览之精熟，能够很深入地吟咏它，非常有情致地把它表现出来，它照样是充满情感的厚度和语言的饱和度。宋画在题材的外延、造境的细致化都表达到极致。我们一般想到宋画，往往偏重那种全景式的千岩万壑，非常史诗般的巨制，像《溪山行旅图》、《早春图》、《层岩丛树》、《万壑松风》等等，包括《溪岸图》，我们想到的都是这种状态，但是它也有一些非常田园式的，非常有抒情诗感觉的东西。我觉得作为平远迷离山水的代表，像惠崇、赵令穰，他们的作品、意境在这方面是非常典型的，有点像后来人说的“南宗山水”的典型图式。
艺术中国：也就是说宋代山水的本质不在于场面、构图的大小？
丘挺：对。它境界可大可小，都没关系。我觉得最重要的山水画的诗性精神，作为山水画最本体的核心价值是对自然和造化的体认和表现的深度。谈到人类的艺术，宋代的山水画是可以跟古希腊的雕塑、德国的古典音乐相媲美的三个顶峰之一。宋代的山水画之所以能达到这个高峰，它恰恰是在对造化的体认，心源的表现中走向了极致。所以我们在理解宋代山水画时，个人可以有偏好，但只要（这幅画）它能对自然的表现非常精微，对造化的体认非常恰如其分，它就是一件非常成功的、有品格的作品。
艺术中国：这一次的创作用了多长时间？
丘挺：这幅画画的时间很长，但如果说起这张作品的缘起就更长了。我2000年到清华大学跟随张仃先生攻读博士，01年画了很多京郊写生，其中我就去了八大处，觉得这个地方非常幽古，非常适合我的情绪去表现。所以我当时就酝酿了一段时间，画了一张手卷，叫《八大处纪游》，大概有8.6米的长度。这张画画出来之后参加了几个比较重要的展览，都受到比较好的评价。其中参加了第五届“影像与生存”上海双年展，那时候波士顿美术馆的盛昊先生去看了，我跟他并不认识，他看到我这张画，通过组委会找到我，跟我聊了他将策划“与古为徒”这个展览的事情。所以说起这张画它是蛮有故事的。但是过了好几年，我觉得我还有很多东西可以在这个手卷里加进去。
“与古为徒”这个展览主题出来以后，我就在07年酝酿这张手卷，着手起笔到收笔大概是08年开春到09年的夏秋之际，这个时间跨度从08年到09年。不是说我每天在画，只是说这个东西一直萦绕在我心头，可能有时候进度比较快，有时候会搁浅下来，有时候可能是半夜爬起来画两棵树，有时候突然有点奇思妙想就凌晨爬起来再弄一下，就是这种经年累月反复填染，完成了这幅作品。
艺术中国：两年的时间横跨不同的季节，画面里面四季都包括吗？
丘挺：不是，基本上是以春秋感觉为主。既有萧瑟之意，又有春意盎然之意，有烟雨迷蒙的感觉，也有晴朗的感觉。因为手卷是可以打破不同的时空观念的，它可以把不同的时空拼接。我这幅画主要还是想追求旷远幽深的感觉，包括那种迷蒙，对远的一种诉求，我希望在这个手卷里体现出平远、幽远、阔远、深远来。还有一个就是能够呈现我对古意的一个理解。
艺术中国：您是否是在不用地点以不同视角写生，然后拼成一张全景式的山水手卷？
丘挺：之前的画是我在一个角度表现它，强化它一些东西。要把它变成手卷，很多东西你得取舍，调动你对时空的内在逻辑，它怎么推，这个可能有一个考验。因为山水画创作，虽然它有一方面是非常强调情致、灵感、性情、感受性的东西，另一方面，它有一种非常严密的格式在里面，空间怎么推移，不同景域怎么转换，这个镜头怎么挪移等。我之后再画的时候，对它的情节和可能激发我夸大它的气氛的东西会思考得更多。做过这个手卷，我对八大处这个地方整体的感受会更完整，会突破我原来对它的一种感受吧。
艺术中国：从赵令穰《湖庄清夏图》到《八大处纪游》，这个转换是怎么完成的？
丘挺：这个转换，比如说《湖庄清夏图》，它最打动我的就是它对那种平远荷塘的非常入微的情趣的描述，这个情节非常的诗性，我想诗性的东西是我在把握《八大处纪游》这张画时和读赵令穰时的心得是一致的。我是希望非常诗性地把这张手卷完成。我想首先还是在传统的精神层面，就是我理解了赵令穰的这种对诗性的追求，然后我希望在画里延伸过来。它里面对云的表述，对荷塘的描述跟我以前生活的视像记忆有很多不谋而合的东西。所以我觉得“与古为徒”，与这幅画对话，我考虑的不仅仅是从他那里寻找到一些共同的渊源气息，更多的我也在考虑怎么跟它拉开适当的距离，但一看又是在一个我强调的非常诗性的精神里营造这种氛围。
艺术中国：这种距离具体是指什么？
丘挺：我想我的画里面，场面、景域的裁剪肯定要比他那张画更具丰富性和多样化，丘壑的转换也更具复杂性。我觉得它（《湖庄清夏图》）是一个设色非常好的画，我这张是水墨的，没有设色，我基本上想极尽墨的变化，我想在这张画中让大家看到中国的墨具备了这种丰富性和精微性。为什么强调这一点呢？我觉得作为东方艺术，如中国画、书法家具等等，它给世界最大的贡献也就是在这种细微的精微感上，这种分寸感上，其它门类艺术往往是很难达到的。
艺术中国：这次展览是中国与美国之间的一次交流，您是有意这么做的吗？
丘挺：这个倒没有这样考虑。因为我觉得在我的创作里，我不会过多的考虑观众是来自西方还是中国本土，因为我想还是传承宋代画家的一种精神更重要。宋代的画家，他的品评也好，他创作的状态也好，我们可以很明显地看到他更多的是（探索）如何以精微、恰如其分的笔墨把自然的精微感、精神性刻画出来，而不是外在赋予它的要创作出一种强烈个人形式的所谓时代风格。它更需要一种精微的状态，对物象非常诗性把握的那种观看角度和体现角度。所以我在画画的时候，更多的还是体现绘画的本体，我能够把我个人的情致、情趣、性情在这种非常精致的笔墨里呈现出来，这是我画这张画最主要的一个动力。