Elmgreen & Dragset, “Overheated”, Massimo De Carlo Gallery, Hong Kong, 2019 Rendering by Studio Elmgreen & Dragset
展览地点：Massimo De Carlo, Hong Kong｜香港中环毕打街12号毕打行三楼
展览时间：2019.03.26-04.28
开放时间：星期一至六, 10:30am – 7.00pm
开幕酒会: 星期一, 25.03.2019, 6.00pm – 8.00pm
艾默格林 & 德拉塞特的个展 "Overheated" 将在Massimo De Carlo香港画廊的三楼改造成一个不一样的布置：一个废弃的地下锅炉房。艾默格林 & 德拉塞特延续他们把艺术空间改造成其它环境的做法，这二人组艺术家又一次将白色立方体变成了一个艺术观众不常到的地方。不同尺寸和颜色的工业管道纵横交错于整个空间，透过在场内行走时要跨越、弯身或绕行于那些大管道，重新引导观众的路径。此装置的特性使观众了解到其身体处于建筑间与建筑之关系。
在美学上，该装置借鉴了 Michael Asher和Charlotte Posenenske 等艺术家早期的简约主义和概念性的作品，并令人想起巴黎庞比杜艺术中心的外露结构。金属管以工业风格的铆钉连接 - 看起来像是穿透地面、墙壁和重力柱，创造出既带有某种功能性，亦好像超越了画廊本身空间的幻觉。该装置突显了原本已悬挂和外露于画廊天花板的通风系统，与艾默格林 & 德拉塞特的其他作品一样，它展示出通常不被注意的东西。就像在排水和供暖系统中不为人注意的工人- 这些劳动力对大多数人来说都是看不见的，但对我们的日常生活至关重要。艺术世界也是依赖于庞大而常被忽略的劳动力才能运作的。
Elmgreen & Dragset, “Overheated”, Massimo De Carlo Gallery, Hong Kong, 2019 Rendering by Studio Elmgreen & Dragset
在这个庞大的装置中，我们还能体验到艾默格林 & 德拉塞特的其他雕塑作品中，模棱两可地描述人类活动痕迹的意味：观众可以想象这些作品与过去看守者，或有关某人一直以这个废弃空间用作临时居所的联系。其中的作品包括一件将废弃的黑色汽车座椅铸入青铜，以及把以大理石造成的烧焦蜡烛雕刻置于铜铸的小木箱上用作桌椅。乍眼看，这些作品看起来只是简单的现成品，实际上它们都是精心制作的雕塑。在空间的一个角落里，摆放着一堆金属和手绘的秋叶，喻意逝去的时光。
"Overheated" 以香港作为背景，一个曾被视为世界主要制造业中心，现在以环球知名金融中心和艺术市场枢钮更广为人知之地。香港制造业已经转移到其他地方一样，且与许多人的日常现实续渐疏离。连「锅炉房」这个术语的含义也发生了很大变化：它最初是指用于住宅楼、工厂或船只的锅炉及与加热相关的设备，到现在更常见的是应用于夜总会和有DJ设施的活动或者水疗设施场所，或者用作从事高压诈骗电话的办公室 - 当中不涉及任何工业机械或体力劳动。同样，在过去的几十年里，废弃的工厂或建筑物被活化为时尚的餐馆、商店、阁楼或艺术家工作室。在往昔和现今相互动之下，"Overheated" 聚焦于人类近来历史中的文化流动力。
Elmgreen & Dragset
Photo by: Elmar Vestner
艾默格林 & 德拉塞
迈克尔·艾默格林（生于1961年，丹麦）和 英格·德拉塞特（生于1969年，挪威）居于柏林，自1995年以来一直以二人组方式合作创作。 Elmgreen & Dragset 被任命为第15届伊斯坦布尔双年展（2017年）的策展人。他们在第53届威尼斯双年展（2009年）的丹麦和北欧馆收藏家获得特别奖，并在柏林汉堡火车站获得了著名的Prege。
Elmgreen & Dragset I must make amends, 2018 Bronze, patina 80 x 90 x 5 cm
Photo by: Elmar Vestner
Elmgreen & Dragset专访
Q：雕塑在你们的作品中是一个非常重要的元素，从洛克菲勒中心《梵高的耳朵》到旗帜艺术基金会的《副作用》。在你的实践中你是如何考虑雕塑的？
A：雕塑的实践自我们开始合作就一直伴随着我们。这起始于在哥本哈很北部的刘易斯安纳美术馆展出的《跳水板》。我们让木板穿透面朝大海的美术馆的全景窗口。这件作品明确了我们之后的创作主题。内部与外部的划分，游戏与互动的局限，现成的元素和雕塑材料的结合，以及酷儿的相关问题。跳水板是大卫·霍克尼的《水花四溅》（A Bigger Splash）的一种沮丧的三维版本，如果你接受这个说法的话。按照这个说法，你也可以认为《副作用》是与后艾滋危机（Post AIDS crises）的问题有关，这在多年后解决了围绕HIV治疗以及这一流行病带来的持久耻辱。《副作用》中手工吹制花瓶里含有真实的食物色素，这些色素被用来涂在如今治疗中使用的各种药片上——所有糖果色的柔和色调都是为了让这些药片看起来比实际上更无害。跳水板也可以看作是我们大型户外雕塑《梵高的耳朵》的前身，这件作品我们首先在纽约的洛克菲勒广场展出，今年末马上要在香港K11艺术基金会前展出。游泳池和跳水板一直是我们雕塑作品的主题。
Q：从洛克菲勒中心的游泳池装置，到《Go Go Go!》和《弱结构》，你们的作品似乎刻意为叙事留有一个开放式结局？
A ：是的，是这样的。我们不认为作品本身可具有永久的或预先设定的意义，独立于它们的背景和观众的身份。这方面是我们创作过程的一个完整部分。我们喜欢把我们的雕塑想象成某种后代，他们不断地从不同的展览环境中学习，随着时间的推移而改变……我们要尽可能多的给予他们经验，还要对他们放手，使他们能脱离你的控制，形成自己的命运。
Q：从《旧世界》展览到这次香港的新展，似乎时间都定在了一段特定的时间。你们有没有想过用不同时间和角度来讲述一个大故事？
A：某种程度上我们做过一些虚构人物的作品，呈现在2009年威尼斯双年展的北欧和丹麦馆的平行展上，项目的名字叫《藏家》。同时也为年老的、失败的建筑师 Norman Swann之家创作了一个展览，展出于伦敦的V&A美术馆。我们通过物品、艺术品、信件、书籍、相册等等讲述他们的故事，这些东西看似是他们倾尽一生积累而来的。这样一来，观众就能感知这些虚构人物是谁，他们过去如何，继而去幻象他们未来会经历什么。为了我们在V&A的展览《明日》，我们甚至以小册子的形式做了一个剧本供读者免费取阅。近期在白教堂美术馆，我们把整个建筑的底层改造成一个废弃的公共游泳池，我们用虚构的游泳池历史沿革置换了常规的标识信息——讲述它如何在20世纪初由一位慈善家捐建，现在又如何失去了公共资金即将变成私人豪华水疗中心的故事。
Q：你们作品背后的意义是什么，以及本次展览《过热》的意义是什么？
A：在我们的工作中，我们经常把艺术机构转变为艺术观众不常去的地方。《过热》也不例外，我们把香港的MDC画廊变成了一间不再使用的地下锅炉房。与画廊现有的和暴露在天花板上的通风系统的对话，装置成有各种大小、不同颜色的工业管道纵横交错的空间。这些大管道会影响参观者的活动，因为人们需要在管道周围移动才能在空间中行进。我们想让人们意识到他们的身体是如何与建筑联系在一起的，并打破人们在参观画廊时通常会有的传统行为模式。
排水和供暖系统中隐含着许多看不见的劳动力，这却对满足我们的既实用又舒适的日常生活需要至关重要。对我们来说，这似乎与艺术界类似，艺术界也依赖于庞大的、常常被忽略的劳动力才能运作。这个展览同样从香港的背景着手，香港曾是世界主要的商品与产品制造中心，但如今，它以全球金融中心和艺术市场枢纽而闻名。我们在想，过去在香港生产的产品，现在如何转移到其他地方去了，以及今天有多少人对生产的实际过程没有任何经验。这又回到了“锅炉房”这个词本身——它过去指的是有暖气设备的房间，但现在则更常见于形容活动场所，甚至是电话诈骗。这些变化也反映在旧工厂或建筑改造，它们变成了时髦的餐馆、商店、阁楼或艺术家工作室。这就好像我们这个社会已经与物质性或身体性的某些过程脱节了，但它们仍然残存于我们的词汇和构建的环境中。这个展览探讨了人类历史中文化的流动力。
Q：你们第一个表演作品可以追溯到1995年，第一个雕塑是1997年制作的。经过20多年的合作，你们是否计划过独自工作或创作个人作品?
A：没有。我们的合作为我们提供了如此多的创造性输出和表达的可能性，以至于我们从来没有觉得有必要在其他地方获得乐趣。曾经Michael尝试做一些产品设计，Ingar也有一支乐队，但后来渐渐淡出了视野。无论是缺乏时间、兴趣、专注、才能还是反馈，都应该不予置评，哈哈。我们是一个专业的艺术二人组，所以对我们来说，创作过程的本质是基于我们之间的对话。
Q：似乎人们在你们的工作中可以感受到幽默感，你们认为幽默感在你们的工作甚至生活中是必要的吗?
A：在这样复杂的时代，它可以作为一种生存方式，一种发泄挫折的方式，一种愤怒管理的方式。有了幽默，你才可以很严肃。我们的幽默感相当阴暗，更受布努埃尔和贝克特（Buñuel and Beckett）的影响，而不是闹剧和滑稽剧。