4月8日，DNArt新馆于798艺术区中二街D06-06揭幕，开馆展“象者，相也：抽象艺术中的形质与灵境”第二回同期开启。展览延续对抽象艺术本质的追问，汇聚十二位艺术家的力作，在形与质、见与识之间搭建思辨现场。本次展览展至5月18日。

《象者，相也：抽象艺术中的形质与灵境》

第二回

“凡所有相，皆是虚妄。”《金刚经》的这句偈语，为抽象艺术提供了一面东方之镜。当艺术脱离具象的束缚，“象”便成为叩问本质的起点——它既是形式的显现，亦是心念的投射。本次展览以《象者，相也》为题开启第二回，延续对“形与质、见与识”的深层追问，邀请十二位艺术家共同构建一场超越表象的思辨场域。

展览从“见象”到“观心”的路径上，展开了更为丰富的维度。苏新平的碎片日记与白京生的直觉色域，分别以物痕与流淌记录心象的生成；孟禄丁的朱砂雄黄与姜淼的层积刀刻，在矿物灵性与螺旋秩序中沟通天人之际；袁佐的笔势纵横与冯良鸿的偶发流淌，在控制与放空之间探寻绘画的本能；刘可的能量迭奏与任芷田的水渍记忆，将不可见的认知与能量显形为视觉痕迹；郭工的玻璃内雕以阻隔开启新感知，邵译农的钢铁树枝以缠绕重构自然与书法的边界；闫博的构造物性与菅木志雄的关系场域，则分别在平面与空间中追问物自体与周遭的对话。

这些艺术实践共同构成了一部以物质为载体的视觉心经。它们不提供答案，而是通过纯粹的痕迹与物性，践行“破相”的观看之道。在信息过载的当下，展览邀请观者放下对阐释的执着，于“着相”与“破相”的辩证中，重新学习观看与感知。最终，我们或能在形式的尽头与材质的深处，照见那个不可言说却真切可感的真实。

抽象艺术常被视为形式的极端提纯，然而其深层动力始终源于对“不可见之本真”的追问。《象者，相也》第二回以同样的东方哲学坐标，汇聚十二位艺术家的最新实践，在形与质、技与道之间展开多维对话。他们的作品既是物质世界的痕迹，亦是精神世界的镜像，在“有相”与“无相”的张力中，引领观者穿透视觉表象，触及生命与存在的深层结构。

苏新平：碎片日记中的心象刻录

苏新平的《红之十一》以十六幅铜版小画拼合而成，实践着一种“日记式”的心象刻录。每幅小画犹如一页私密的视觉笔记，以密集的线条与痕迹记录日常思绪与瞬间感悟。这种碎片化的日课积累，是对信息爆炸、感知割裂的当代生存状态的深刻内观。他通过拼贴重组，将这些私密“心象”从时间碎片中打捞、缝合，构建出既具内在秩序又充满张力的完整画面。在此，传统“荒原”的宏大隐喻，被转化为对个体精神现实地貌的微观测绘。苏新平的艺术因此超越了抽象与具象的表层分野：那些刻录下的痕迹，既是私人心绪的密码，也是时代集体心境的显影，完成了从具体“心象”到普遍存在之“相”的升华。

苏新平 / Su Xinping，红之十一 / Red No. 11，铜版画 / Copperplate Printing，54 × 224cm（28 × 28cm × 16），2022

白京生：内在秩序的直觉显影

白京生视绘画为思想的出口与精神的修行。在《阿尔勒之夜》《层叠》等作品中，她以日课般的虔敬姿态工作，常通过地面平铺画布、屏蔽外界噪音，使身体、心灵与色彩的运动融为一体。她的核心在于有控制的直觉：以板刷进行色彩的反复平涂与层叠衔接，在看似质朴的画面中精确构筑微妙而稳定的色彩关系与视觉秩序。

白京生 / Bai Jingsheng，阿尔勒之夜 / The Night of Arles，布面丙烯 / Acrylic on canvas，183 × 208cm，2024

白京生 / Bai Jingsheng，层叠 / Layers，综合材料 / Mixed media，150 × 150cm，2024-2025

其作品彻底摒弃外部叙事，转而直接捕捉内在的生命感受——浅绿与粉色的《最美人间四月天》流淌着春日的呼吸，而炽热的《升起》则如红色朝阳般迸发能量。她的绘画，最终成为心灵与思想的梦境在物质世界的纯粹显相。

白京生 / Bai Jingsheng，升起 / Sun Rise，布面丙烯 / Acrylic on canvas，40 × 50cm，2025

白京生 / Bai Jingsheng，红绿 / Red - green，布面丙烯 / Acrylic on canvas，60 × 80cm，2025

白京生 / Bai Jingsheng，橙绿 / Orange-green，布面丙烯 / Acrylic on canvas，60 × 80cm，2025

左：白京生 / Bai Jingsheng，最美人间四月天1 / The Most Beautiful April in the World 1，布面丙烯 / Acrylic on canvas，80 × 100cm，2026。右：白京生 / Bai Jingsheng，最美人间四月天2 / The Most Beautiful April in the World 2，布面丙烯 / Acrylic on canvas，80 × 100cm，2026

孟禄丁：矿物的仪式与场域

孟禄丁的《朱砂》《雄黄》系列，以中国传统矿物颜料为载体，将抽象绘画提升至文化仪式的高度。在《雄黄》中，倒三角与“丁”字组合的符号，与雄黄特有的黄色质料共同构建了一个稳定而神秘的视觉力场。他摒弃机械方法，重拾手绘与拓印，使创作行为本身成为一种当代“祝祷”。

孟禄丁 / Meng Luding，雄黄 / Realgar，黄麻矿物质颜料 / Mineral pigment on hessian，254 × 127cm（2幅组画），2021

朱砂的炽烈、雄黄的醇厚、石青的沉静，这些材料不仅承载着“辟邪”“祛魅”的精神能量，更在几何构成中唤醒了远古巫祝文化的记忆。孟禄丁借此将艺术的追问从纯视觉形式导向不可见的维度与能量，在材质的当代转换中，显影出文化根脉与宇宙意识交织的深沉之“相”。

孟禄丁 / Meng Luding，朱砂 / Cinnabar，黄麻矿物质颜料 /  Mineral pigment on hessian，直径120cm / φ120cm，2022

姜淼：层积时空的修行与显化

白石画廊代理艺术家姜淼的创作是一场以刀为笔的漫长修行。在铝板丙烯作品《正觉 2023.12.29》中，她延续了“叠加—封存—开启”的独特方法：数十层色彩层层覆盖，每一层都封存着不同时刻的阳光、空气与心绪；再以刻刀穿透剥离，在预设与偶然之间显露出底层的光影。螺旋、漩涡、莫比乌斯环等符号反复出现，构成类似太极的完整生命秩序。画面既是能量流转的宇宙微观模型，也是时间与生命轨迹层层沉积的精神地貌。她的刀痕不是破坏，而是觉悟——让冰冷的材料拥有了可感知的呼吸与温度，成为修行者证悟的视觉结晶。

姜淼 / Jiang Miao，正觉 2023.12.29 / Mindfulness 2023.12.29，铝板丙烯刀刻 / Acrylic on aluminum board, carving；120 × 220cm，2023

袁佐：笔势纵横的情感场域

袁佐的抽象绘画是一场基于直觉与本能的激情表达。他的作品以强烈迅疾的笔触、厚涂刮擦的肌理以及高饱和度色彩的对比碰撞为核心。这些笔触兼具中国书法的韵律感和西方抽象表现主义的行动性，在画布上纵横捭阖，形成一种非描绘性的、充满动势与光感的视觉结构。他追求的并非叙述性内容，而是通过笔触的力度、方向、速度与色彩的相互关系，直接制造震撼的视觉形象与心理冲击。这种创作方式呼应了“气韵生动”的古典美学，但将其置于当代语境中重新激活。他的画面是一个可游可居的“心理空间”，奔流着个人的情感、对自然的反应以及深邃的文化自觉。

袁佐 Yuan Zuo，亚得里亚之火 / Adriatic Fire，布面油画 / Oil on canvas，90 × 100cm，2022

冯良鸿：偶发中的空性流淌

冯良鸿的绘画不预设任何结果，他将自己置于一种“放空”的状态中开始。作品《虚25-2》《白25-6》延续了他自2009年以来“未完成”的创作方法：油彩任意流淌、笔触叠加覆盖、画刀刮擦消解，从无意的“破坏”到有意的取舍，画面在无序与有序之间反复震荡。这种过程可能持续数月甚至一年，成为与生活同频互动的载体。他相信“空即变化”，“空”在绘画中由缺席转为具有生成力的开放状态。每一笔偶发与随机，都是对不确定性的拥抱，在判断与取舍之间，最终呈现出色彩与笔触的瞬息关联。他的作品不是描绘，而是生命状态轨迹的直接显影。

冯良鸿 / Feng Lianghong，虚25-2 / Void 25-2，布面油画 / Oil on canvas，120 × 130cm，2025

冯良鸿 / Feng Lianghong，白25-6 / White 25-6，布面油画 / Oil on canvas，130 × 120cm，2025

刘可：能量迭奏的受控失控

刘可的作品是对能量流动的视觉化探索。在《迭奏山消失的线之一》《之二》中，他通过色块的秩序性排列与材料博弈的随机性，构建出能量流动的双重叙事：理性控制下的规则系统与生命本能的自然涌动形成张力。他运用胶带黏合与剥离的物理痕迹——被遮蔽的区域如同能量被封印的时空切片，撕除时残留的毛边与渗透的颜料则成为能量突破藩篱的视觉证词。其色彩系统发展出独特的“能量色彩”语言：蓝色块如地壳沉积层，红色裂隙似岩浆喷发的通道，将物理能量与心理能量进行转换。画面中，画框硬边对色域的规训与颜料边缘的不可控肌理形成对抗，这种“受控的失控”颠覆了传统绘画的完成性观念，使画面成为身体与思想经验的载体。

刘可 / Liu Ke，迭奏山消失的线之一 / Refrain Mountain: Vanishing Lines No.1，布面综合材料 / Mixed media on canvas，150 × 150 cm，2025

刘可 / Liu Ke，迭奏山消失的线之二 / Refrain Mountain: Vanishing Lines No.2，布面综合材料 / Mixed media on canvas，150 × 150 cm，2025

任芷田：认知的质感与记忆的水渍

任芷田的创作长期关注“认知”本身，而非认知的对象。他的圆形布面丙烯作品《20160116》《201508008》以画出的水渍痕迹为载体，将这种视觉现象称为“记忆的质感”。在他看来，水渍如同世界在我们脑子里留下的痕迹，是认知的底板上的信息沉积。这些点状的水渍并非对自然物的模仿，而是对感性与直觉的“确定性”的等候——看上去偶然，实则是一种必然的内在判断。画面中没有叙事，没有象征，只有近乎抽象的、仿佛时间缓慢渗透的斑点与晕染。任芷田以此将绘画还原为认知行为的直接记录，让观者在凝视这些水渍时，不自觉地反观自身的感知过程，从而触及“我们到底是如何认知”这一根本问题。

任芷田 / Ren Zhitian，20160116，布面丙烯 / Acrylic on canvas，直径150cm / φ150cm，2016

任芷田 / Ren Zhitian，201508008，布面丙烯 / Acrylic on canvas，直径80cm / φ80cm，2015

郭工：阻隔中的感知开启

郭工的《拂尘》采用激光内雕技术，在玻璃镜面内部雕刻出由盲文演化而来的图案。这些图案来源于他对先天盲人关于颜色、形态想象的采访记录，构成了特殊的符号文本。然而，对于盲人而言，纹理在玻璃内部无法触摸；对于普通人而言，可以看到图案却无法理解其意义。郭工以此精心设置了感知的“阻隔”——触觉与视觉的功能被同时消融。这种阻隔并非终点，而是一条必经之路：它迫使观者放弃惯常的感知通道，转向内心深处的想象与直觉。正如《心经》以“色即是空”指向超越语言的真实，郭工的作品以感知的障碍开启新的通道，让“想象”成为连接自我与世界的唯一桥梁。他以此延续了“格物”的方法论，将物从对象转化为与主体平等对话的另一个存在。

郭工 / Guo Gong，拂尘 / Blow the Dust，玻璃镜 / Glass mirror，120 × 90 cm，2018

邵译农：钢铁树枝中的自然与书法

邵译农的《九枝文》是一件以钢铁为材质的悬挂装置作品。数根弯曲蔓延、扭转生长的树枝从天花板上的一点徐徐展开，枝理间相互连结，在空间重量中保持着精妙的平衡。在中国传统数理中，“九”为极尊，“九枝”指枝条繁多；古文中“文”与“纹”通假，既是文字也是图形。艺术家使用非自然的锻造钢筋，却塑造出完全符合自然态势的树木形态。这些灵动缠绕的枝杈在三维空间中形成抽象而静谧的山水线条景观，犹如内力放逸的挥毫，或由钢铁构成的书法。作品下方点缀的碧玺映照出斑驳光影，增添了灵动的气息。邵译农以此将自然之美、书法之意与家族谱系的结构融为一体，在世俗与虚空之间自由飞舞，映衬出观看者的性灵，开启了中国敏感的直觉系统与上古精神之间的契合之路。

邵译农 / Shao Yinong；九枝文 / The nine twigs；不锈钢、碧玺 / Stainless steel chain, Tourmaline；装置 / Installation；尺寸可变 / Dimensions variable；2011

邵译农 / Shao Yinong；九枝文 / The nine twigs（局部）

闫博：构造物的自由之境

闫博的创作是对绘画本体的激进重构。他摒弃传统矩形画框与具象叙事，以“构造绘画”之名在平面与浮雕的临界点上开辟疆域。通过定制异形木框、多层裱布与反复的涂刷打磨，他将绘画转化为一种“造物”实践。在这里，色彩、形状、材质与光线被置于同等地位，进行“物的全因素表达”。不规则的结构组合、高纯度的色彩平面与精心控制的阴影，共同构建了一个逻辑“陌生化”的视觉系统，既具建筑的坚实感，又蕴含晶体生长般的有机韵律。闫博以此阻断语言的轻易介入，迫使观者直面材质、形态与色彩本身的原始冲击。他的作品不再是描绘或表现的载体，而是自身即是一个拥有独立生命与物性的“特别物”，在墙面上凸起为一个自洽的、邀请凝视与环绕的抽象世界。

闫博 / Yan Bo，无题 / Untitled，木板上混合媒介 / Mixed Media on Board，143 × 125 × 26cm，2025

闫博 / Yan Bo，无题 / Untitled，木板上混合媒介 / Mixed Media on Board，122 × 131 × 31cm，2025

菅木志雄：关系中的边界与状况

作为“物派”的代表性艺术家，菅木志雄始终注重物体与物体之间、物体与空间之间的“关系性”。本次展出的纸上作品《边缘的距离》与《无题》看似简约——只在纸面上画了几根黑色线条，却凝聚了他数十年的哲学思考。这些线条不是描绘，而是对物质与空间边界的探测：线条的边缘、纸张的边界、观看时的视线移动，共同构成一种“状况”。在《边缘的距离》中，马克笔的黑色直线与纸张的边缘形成微妙的张力，仿佛在丈量“存在”与“虚空”之间的距离；而《无题》中蜡笔与马克笔的交叠，则让线条的质感产生呼吸般的韵律。菅木志雄的艺术不是制造物体，而是揭示物与物、物与人的关系网络。

菅木志雄 / Kishio Suga；边缘的距离 / Distance from the margin；马克笔、纸 / Maker pen on paper；38.8 × 54.3cm；1975

菅木志雄 / Kishio Suga；无题 / Untitled；马克笔、蜡笔、纸 / Marker pen and pastel on paper；71.2 × 52.3cm；1975

此外，两件立挂式木作《侵空》与《透過景》，分别以蓝色三角形和黑色长方形木板上串联的缝隙与孔洞，进一步将这种“关系性”从平面延伸至空间维度——那些断开的缝隙既是阻隔也是通道，让观者在静默中感知物自体与周遭世界的共生之“相”。

左：菅木志雄 / Kishio Suga；透过景 / Permeated Elapsing Scenes；木、丙烯 / Wood, acrylic；71.4 × 16.1 × 2.3cm；2002。右：菅木志雄 / Kishio Suga；侵空 / Encroached space；木、丙烯 / Wood, acrylic；41.7 × 22.3 × 3cm；2002

《象者，相也》第二回展览，在延续第一回哲学框架的基础上，以十二位艺术家的最新实践，进一步拓展了抽象艺术的精神疆域。从苏新平的碎片心象到白京生的直觉色域，从孟禄丁的矿物仪式到姜淼的层积修行，从袁佐的笔势纵横到冯良鸿的偶发空性，从刘可的能量迭奏到任芷田的认知水渍，从郭工的阻隔开启到邵译农的钢铁书法，从闫博的构造物性到菅木志雄的关系场域——每一位艺术家都以独特的语言，诠释着“象”与“相”的辩证关系。

在这个图像泛滥、意义喧嚣的时代，抽象艺术以其对表象的剥离，为我们提供了一种抵抗视觉异化的可能。它要求我们慢下来，在形式的纯粹中重新学习观看，在色彩的共振中重新感受存在。本次展览如同一面镜子，映照出这个时代的焦虑与渴望，也开辟了一片可以安放精神的净土。当形式褪去执念，本质便如月映水，照见万物生生不息的本来面目。

展览海报

象者，相也：抽象艺术中的形质与灵境（第二回展）

Forms of the Unseen: Morphology & the Inner Realm in Abstract Art (Edition II)

艺术家：白京生、冯良鸿、郭工、姜淼、刘可、孟禄丁、任芷田、邵译农、苏新平、Kishio Suga（菅木志雄）、闫博、袁佐

策展人：刘三磊 

展期：2026.4.8 - 2026.5.18

开幕：2026.4.8 16:00

主办：DNArt 

支持/致谢：白石画廊、東京画廊+BTAP、木本元文化艺术  

地址：DNArt Space（北京市朝阳区798艺术区中二街D06-06）

展览现场