刘宗瑶，一名生活工作于北京和伦敦的艺术家。她的作品围绕着探索当代生活图像系统展开，特别关注人们如何看待一幅画既作为图像又作为物体的过程。她的作品通过挪用和借鉴日常普遍存在的图像，探索了观看系统的局限性和固有偏见，促使观众重新思考我们所认为理所当然的一切。
图1：There Will Be Song, Digital print on canvas, 60x60cm，15.5x15.5cm, 13x13cm,10x10cm
在图1这件目前正展览于英国Gatehouse Chambers机构的作品中，刘宗瑶展示了对日常生活和艺术品之间关系的深刻思考。通过重新创作斯坦利·惠特尼在伦敦Gagosian画廊展览中的三幅画作，她将手机相册中的普通照片转化为具有艺术性的作品。观者在欣赏这些作品时，不禁会思考原创艺术品和现实生活中的色彩和形式之间的联系。这种创作方式不仅展示了艺术家对绘画的独特解读，也引发了对日常生活中审美体验的重新思考。作品中色彩和形式的对比，使观者在艺术品和现实生活之间建立起了一种新的对话。
图2：Painting Mask— Damien Hirst , Sewing 、found fabric、frame ,66*86*3cm
图2的作品为Painting Mask系列之一，刘宗瑶突出了艺术品在日常生活中的再现和功能属性的重新思考。她选择了在装饰图案市场上备受青睐的艺术家：达明赫斯特和草间弥生。购买了一些容易让人联想到这些作品绘画风格的织物作为材料，把它们重新挂在墙上，就像挂一幅画一样，将图像重新赋予了艺术品的身份。这种作品不仅具有装饰性，还包含了艺术家对艺术品与日常生活关系的深刻思考。
图3：#Ins Color Field Painting ，Acrylic on canvas， 3.5x2.5cm
图4：Everyone Will Be World-Famous for 15 Minutes ，Silk-screen printing on paper ，Dimensions variable
在图三和图四的作品中，刘宗瑶展示了对当代视觉体验和数字化展览趋势的深刻洞察。通过重新演绎马克·罗斯科和巴尼特·纽曼的作品，以微缩的方式呈现了色域绘画，提醒人们在数字化时代欣赏作品时观看的重要性。这种批判性的方法强调了电子图像或纸质打印削弱了绘画呈现的问题，并呼吁人们重视“现场”欣赏作品的体验。另外，刘宗瑶通过使用社交平台上观众合影中的艺术作品图像，结合丝网印刷技术重新制作了安迪·沃霍尔作品的原创版本，探索了作品与其复制品之间的关系，并重新思考了作品图像的来源渠道和作者属性。
不难看出，在刘宗瑶的作品中，很大一部分是呈现了个人对社交媒体平台的洞见。如今，新的视觉传播形式影响着艺术家的创作。她通过重新演绎和转化社交媒体上的图像，不仅展示了对数字化时代的深刻理解，也反映了艺术家对当代视觉传播形式的灵活运用。这种对社交媒体的运用不仅是对艺术作品的传播方式的创新，更是对艺术与观众之间互动关系的重新思考。通过将艺术作品与社交媒体平台结合，刘宗瑶成功地将传统与现代、个人与公共之间建立起了一种新的联系，为当代艺术注入了新的活力和意义。
图五：I Shop Therefore I Am，Acrylic on canvas
图六：Photography works Φ 70cm 50cm 35cm 25cm 15cm
在另一件作品《I Shop, Therefore I Am》（图5图6）中，刘宗瑶将艺术家名言作为作品的标题。她选择了芭芭拉·克鲁格的口号来命名作品，旨在通过艺术品反思当代艺术商品市场和展览的特点和影响。这幅作品以红点作为符号，暗示着商业化艺术中“已售”的标志。通过这种方式，刘宗瑶质疑了艺术机构的中立性，质疑了这些地方的假设功能和艺术商品系统的制度，引发了观者对艺术商品市场和展览的独特观察和批判。在北京当代艺术博览会上，她做了一个行为实验并用影像记录。她选择了一些非艺术品的对象，如墙上的警告标签、钉子和翻页手套。然后在它们旁边贴上了红点，暗示它们已被出售，以嘲讽在当前艺术博览会的背景下，艺术商品的不同可能性。这件作品引人深思，通过对艺术商品市场和展览的独特观察和批判，展现了艺术家对当代艺术世界的深刻关注和反思。
刘宗瑶认为，随着互联网时代的来临，每个人都通过手机不断获取信息，审视着我们周围的世界。
她试图通过艺术作品反映这种信息传播方式对我们对世界的看法产生的影响，呼吁人们审视和思考自己获取信息的方式和对图像的理解。
图七：Let Them All Materialize，Acrylic on paper ，30x38cm
问：您希望您的作品如何促使观众反思艺术史、数字媒体之间不断演变的关系，以及它们对我们对世界和自身的认知产生的影响？
刘：我尝试通过探索不同时期艺术中的图像概念，以及数字媒体平台上图像的再现和传播方式，我希望通过我作品中挪用的相似但不同的著名艺术家的图像符号，让观众联想到相关艺术家及在艺术史的概念。引发观众对这些概念之间关系的思考。我希望观众能够意识到，在数字化时代，我们对世界的看法和自身的认知往往受到媒体图像的影响，而这些图像又受到历史、文化和技术的塑造。
图八：Memories’ Shape，Screen mono-print on paper ，35x 35cm
问：您经常使用艺术家名言作为作品的标题，您能谈谈其背后的灵感和意义吗？
刘：当然，使用艺术家名言作为作品的标题是我的一种创作手法。这样做的主要目的在于向那些对艺术有所了解的观众传达更多的信息和情感。艺术家的名言通常承载着他们对艺术、生活或创作理念的深刻思考和感悟，概括了他们对艺术的理解。将这些名言与我的作品结合起来，不仅可以为作品赋予更深层次的意义，还可以向观众传达我对艺术家的尊重和致敬之情。同时，这也为观者提供了一种解读作品的新视角，帮助他们更深入地理解作品所传达的意义和情感。同时，这也为观者提供了一种解读作品的新视角，帮助他们更深入地理解作品所传达的意义和情感。
问：您在艺术之旅中遇到的最大挑战是什么，您是如何克服的？
刘：对我来说最大的挑战就是艺术创作上的高要求。作品需要吸引人的视觉效果、发人深省和有趣的内容、创新与原创性。我始终保持对当代艺术和数字技术的关注，不断学习和探索新的艺术形式和媒介，从中获取灵感和启发。其次，我注重在作品中注入自己独特的视角和思想，努力使作品与众不同，体现个人风格和创意。最后，我选择参与艺术展览和交流活动，积极与其他艺术家和观众交流互动，从中获得反馈和建议，不断完善和提升自己的作品。
（作者：陈耀杰）
