图片来源：Ordovas

前言

总有艺术家为了更好地进行艺术创作，选择脱离喧嚣的人群。比如说呆在法国南部明媚小镇上的亨利·马蒂斯（Henri Matisse），在西班牙马略卡岛上帕尔马工作室里的胡安·米罗（Joan Miró），隐居在伦敦卡姆登镇（Camden Town）深巷里的弗兰克·奥尔巴赫（Frank Auerbach）。

因此，艺术家工作室（The Artist’s Room）将带领人们领略想象中的艺术家的私人空间。这一线上展览空间由各色画作、蚀刻、图片摄影、家居摆设、植物和书籍组成，充满着沉思与创造力。从1924年创作炭笔画的亨利·马蒂斯到2019年创作了系列雕刻作品的哥伦比亚艺术家何塞·安东尼奥（José Antonio Suárez Londoño），本次线上展览精选了横跨将近100年间的12位现代和当代艺术家作品及他们的创作空间。

艺术家工作室已于2020年5月4日正式上线。

弗兰克·奥尔巴赫（Frank Auerbach）

弗兰克·奥尔巴赫在位于伦敦的工作室里，1963；图片来源：Ordovas

众所周知，弗兰克·奥尔巴赫对工作十分沉迷。他年复一年、日复一日地在作画，作画内容也是一成不变的伦敦北部风景和每周来来回回充当他绘画模特的那几个人。

英国艺术评论家、策展人威廉·菲弗（William Feaver）也是那来来回回坐在那、为弗兰克·奥尔巴赫所画的几个人之一。在2003年威廉·菲弗写了一本关于弗兰克·奥尔巴赫的书。再往前到上个世纪七十年代，两人已有所联系和交流。那个时候，菲弗就对弗兰克·奥尔巴赫和卢西安·弗洛伊德（Lucian Freud）表达了自己的崇敬之情。

2015年菲弗谈到：“每个人（模特）都是在固定的日子和时间里去他的工作室：我是周一六点到八点去。我们会坐在一张没有坐垫，很不舒服的温莎式沙发上。我们在工作室里一般会喝绿茶，但有时候他也会去买牛奶回来喝。我们就这样聊着天，聊着聊着到了某一个点的时候，弗兰克就会完全沉浸于绘画当中。只要观察他的气息，我就能察觉出这个微妙的点。”

威廉·菲弗头像，弗兰克·奥尔巴赫，2013-2014年

2013年到2014年间长做的《威廉·菲弗头像》是奥尔巴赫后期绘画中的代表作。在奥尔巴赫早期的作品中，他通过多种场景和各式拓片来构建这一形象。这个形象不再为擦掉的标记所定义，头像不再由黑色的木炭和稠密的表面物质所堆叠。菲弗的头部和躯干的角度由艺术家以石墨和粉笔来确定，而过去那些被涂掉的元素则成为了奥尔巴赫重画作品的隐性证据。

艾德瓦尔多·奇立达（Eduardo Chillida）

Gravitación GT-1，艾德瓦尔多·奇立达，1988；图片来源：Ordovas

艾德瓦尔多·奇立达在工作室里，1990；图片来源：Ordovas

由艾德瓦尔多·奇立达于1988年设计的Gravitación GT-1，以小而复杂的拼贴画为主导，体现了艺术家对空间和材料的毕生探索。这是花费了艺术家15年时间创作的、名为“Gravitación”系列作品中一部分。奇立达是在他六十多岁的时候创作的这个作品。在当时，他已经是一名享誉国际的艺术家。

奇立达通过将不同形状的黑白彩纸叠加在一起创作出了作品Gravitación GT-1。他通过将颜色限制在黑色和白色两色之间，使用并置和对比的手法增强作品的线条和几何性。他在不断探索着材料的可能性，不断挑战着纸张的极限，尝试将其转化为浮雕的形式。这种安排为作品创造出了不同的体量、色调和空间感。可以说，Gravitación GT-1对观众对于空间的感知能力产生了深远的影响。通过这件作品，艺术家也得以在更小的创作尺度上继续着他对物体和它们所占空间之间关系的毕生探索。

戴维·道森（David Dawson）

画家的脚，戴维·道森；图片来源：Ordovas

画家兼摄影师戴维·道森常年在伦敦、威尔士和纽约生活和工作。在上世纪80年代中期，戴维·道森在给卢西安·弗洛伊德的经销商James Kirkman打工时认识了这位艺术家，开始给他做工作室助理。在三十年间，戴维·道森不仅是弗洛伊德工作室的助理，还是弗洛伊德的模特和朋友。正因为此，戴维·道森开始通过系列照片的形式记录工作室里的生活。在以前，只有布鲁斯·伯纳德（Bruce Bernard）能做这些事。人们得以通过这些照片一窥作品的创作进展和工作室的内部情况，这些原本只有弗洛伊德的画中人才能看到。

2010年，摄影作品《画家的脚》（The Painter’s Feet）展示了卢西安在他家中画室里创作时的场景。我们仿佛可以从他身后的窗户中看见他的花园。2007年，这些植物曾被卢西安用于几幅画作中。弗洛伊德去世前把房子留给了道森。几年间，道森把这座荒凉的花园变成了令人惊叹的开满美丽玫瑰花的英式花园。

图片来源：Ordovas

“看着这些充满生活气息的工作室照片，我仿佛回到了卢西安还在的时候。我闻到了第一次来时闻到的那种颜料、皮革和香皂的混合味道。那时的我走进厨房，上了楼梯。我为他画架上的工作进展所惊讶，为他开门时看着你的锐利眼神所惊讶。”

Aleksandar Duravcevic

电力灵魂，Aleksandar Duravcevic，2015；图片来源：Ordovas

艺术家Aleksandar Duravcevic的艺术实践包括视频、装置和绘画。他的作品多以身份审视、记忆和死亡为主题。对Duravcevic来说，这些可以算是非常具有他私人特点的主题。Aleksandar Duravcevic战时在黑山长大，后作为难民逃往意大利，最后移民来到美国。因为他母亲是黑山东正教信徒，父亲是阿尔巴尼亚天主教信徒，在Duravcevic离开祖国之前，复杂的身份概念仍对这位艺术家有着至关重要的意义。他随后的经历让他越来越意识到国籍和身份的不稳定性，让他开始思考这些问题与文化历史之间的复杂关系。

Duravcevic在作品总是以故事和回忆的形式，试图从不完美的、残余的记忆碎片中重建现实。重复和回忆成为了艺术家追溯和重塑自己的历史和文化的工具，也是他消除身份、等级和霸权等虚假陈述的策略。在他那里，重复意味着时间的流逝。在2016年的11天里，11幅不同的石墨画共同描绘了灰白色的云彩悬停在黑色的天空上的画面。每一幅都与前一幅略有不同，没有完全相同两幅画。

Aleksandar Duravcevic工作室

在2015年的作品《电力灵魂》（Electric Souls）中，电蜡烛在一片模糊深沉的黑暗中闪烁着，一个接一个地重复着，无限延伸到画面深处。这或许是在提醒即便是在黑暗的生命中也存在着光，又或者是在庄严地代表着逝去的生命。Duravcevic用柔和的黑色背景，使他的画作呈现出一种阴森可怕的景象。画中物仿佛漂浮在我们眼前，让我们想起过去飘忽不定的记忆。

卢西安·弗洛伊德（Lucian Freud）

图片来源：©David Dawson/Bridgeman Images

弗洛伊德创作蚀刻画的时候和他日常普通绘画一样——要求画中人在任何时候都在场。即便是在他画背景也是如此要求。弗洛伊德坚信画中人会影响周围的一切。对他来说，坐着是一种承诺。他对绘画时的计时和人们座位的规律性简直是一丝不苟。

弗洛伊德于1947年在巴黎学习了蚀刻技术，师从毕加索的侄子、画家兼版画家Javier Vilató。同年夏天，他把这项技术传给了爱德华多·包洛奇（Eduardo Paolozzi）。弗洛伊德不能说是传统版画家：他把金属板当作画布来用。盘子支在画架上，在上面做记号，就好像他拿着画笔或铅笔一样。

弗洛伊德的工作室；图片来源：©David Dawson/Bridgeman Images

他的画中人一般选择的都是坐着的人，而且一般都是离他的圈子很近的人。这使得他的作品产生了难以置信的强大的精神力量：画中人坐着沉浸在他们的思考中，他们的个性也随之显现出来。

大卫·霍克尼（David Hockney）

一只黑猫跳起来，大卫·霍克尼，1969；图片来源：Ordovas

生于1937年的大卫·霍克尼常与伦敦艺术学院以及奥尔巴赫、培根和弗洛伊德等几个名字联系在一起。他1964年移居加利福尼亚，此后断断续续地生活在那里。作为20世纪60年代波普艺术运动的重要贡献者，霍克尼被公认为是当代绘画大师之一。1969年春天，他暂时回到英国，开始创作“格林兄弟的六个童话插图”。这是一组由39幅画构成的系列版画，也是他最具有雄心的版画计划。

这位艺术家醉心于研究蚀刻技术。他直接在铜板上创作，使用蜡和多层交叉重叠手法，创造出了更加丰富更加厚的黑色墨水层。1969年创作出了《一只黑猫跳起来》（A Black Cat Leaping），这是11幅插图蚀刻画之一。他创作的39幅铜版画最初由牛津大学出版社出版，用蓝色皮革装订，书名为《格林兄弟的六个童话》。其中还收录了其他许多著名童话故事，如《小海兔》和《长发公主》。

霍克尼对格林兄弟故事的视觉解读总是迷人又怪异。它提醒着我们，尽管童话故事可能会吸引年轻人，但童话故事也并不总是为儿童而写。

亨利·马蒂斯（Henri Matisse）

给皮埃尔·伯纳德的明信片，亨利·马蒂斯；图片来源：Ordovas

亨利·马蒂斯在尼斯完成的作品《女人的画像》（Tete de femme, 1951）是一幅非凡的纸上炭笔画。马蒂斯在他生命的最后几年里生活在法国南部，身边围绕着一小群模特和朋友。由于年龄大了体力不支，马蒂斯开始钟情于绘画的介质。正如《女人的画像》所示，他的绘画风格变得越来越大胆，线条也越来越简洁。《女人的画像》创作于他去世前三年，是他晚期风格的典型代表。

马蒂斯仅用几条黑线就勾勒出了女人的脸部主要特征。这张脸虽然没有任何细节，但却有着令人难以置信的表现力。马蒂斯声称：“一直认为绘画是一种有意简化的方式，以使表达简单自然，将思想直接传达给观众。”

亨利·马蒂斯在卧室里画画，1950年4月；图片来源：Ordovas

在《女人的画像》中，观众的目光被画中人转瞬即逝的表情所吸引：她大睁着双眼，带着神秘的微笑凝视着观众，不禁让人想起了现代版的蒙娜丽莎。马蒂斯所描绘的女人，精神似乎是愉快的，但却又是神秘的。马蒂斯只用几条线就捕捉到了这种复杂的表情，显示出了他作为风格成熟的艺术家的高超技巧和信心。这种激进的创作方法意义重大，在1951年就被提出的时候，马蒂斯成为了他那个时代最伟大的革新者之一。

胡安·米罗（Joan Miró）

Pantagruet，胡安·米罗，1978；图片来源：Ordovas

尽管在人们的记忆中，米罗是一个画家，但他的艺术爱好不仅仅局限于画布上的油画。在他70年的职业生涯中，他还从事过雕塑、陶瓷、挂毯以及最多产的版画的创作。1938年，印刷大师路易·马库西斯（Louis Marcoussis）向他介绍了蚀刻技术。从那时起，他就坚定地致力于这种艺术创作形式，以这种媒介创作了2000多件作品。

米罗的版画是一种有趣的即兴创作。他会剪出样版，重新排列元素，用新的图案把这些片断排列组合在一起，再用蜡笔涂上颜色，或者用印度墨水涂上象形文字的记号。这是一个通过实验发现图像的过程，有偶然、但也有控制和系统的过程。

Koushna Navabi

Persepolls，Koushna Navabi，2020；图片来源：Ordovas

Koushna Navabi的混合媒体实践探索了超现实与陌生之间不断摩擦的关系。Navabi通过有趣的雕塑、绘画、素描和装置作品，探索了疏远、快乐、恐怖和幽默的主题。她的作品一方面使物品的变化让人回想起那些家庭和童年的舒适记忆，一方面又否定了这些记忆所承诺的稳定性。

这个系列的片段始于一个旧咖啡桌书籍的收藏，里面有纳瓦比出生于伊朗的照片。这些书大多于70年代和80年代印刷，由Navabi多年来的朋友送给她。它们引发了一种焦虑的情绪，不仅是因为它们能回忆过去，还因为它们身上有一种特定的、有限的起源感和身份感。Navabi小心翼翼地剪下古代波斯遗址的照片，各种岩石浮雕和遗址图片。在这些图像上，她添加了图样，一些可以辨认，另一些则用奇怪陌生的方式进行处理——用精致的黑色钢笔和色彩鲜艳的颜料进行绘制。身体的碎片被叠加在一本书的碎片上，而这本书反过来又描绘了一个早已消失的文明的碎片。

宝拉·雷戈（Paula Rego）

读书的女孩（Girl Reading），宝拉·雷戈，2009；图片来源：Courtesy Paula Rego and Marlborough Gallery

宝拉·雷戈经常从文学、童谣和民间故事中汲取作品灵感。她的作品能将你带入一个天真与残酷相互碰撞的世界。她的意象由女性形象主导，创造出了充满黑暗和秘密的故事。绘画是雷戈所有工作实践的核心，正是在这里，她的想象力得以发挥作用，故事才得以呈现。正如她所说的：“当你画画的时候，发明就出现了。”

雷戈从1994年开始尝试色粉，她被这种材料的触感所深深吸引，她形容这种材料“就像用手指作画一样”。雷戈的作品经常充满幻想的场景，这些灵感来自她的童年——与女佣展开的叙事。画面中经常出现穿着考究的，年龄不长的女人，和作为主角漂亮的小女孩。

大卫·史密斯(David Smith)

大卫·史密斯1953年作品

大卫·史密斯工作室

杰出的抽象表现主义艺术家大卫·史密斯以其开创性的雕塑作品闻名于世，以至于他的雕塑成就在很大程度上盖过了他在其它媒介上的作品。然而，史密斯也是一个热情的画家、绘图员和版画家，他认为这些实践是他艺术创作的组成部分，与他的三维作品没有什么不同。事实上，史密斯自己并不认为自己是雕塑家，他更认同自己是画家：“从某种意义上说，我是画家，我早期的朋友都是画家……我从来没有把自己想象成是画家以外的人，因为我的作品直接从凸起的表面进入。”

1940年搬到博尔顿的阿迪朗达克镇后，他在家里的单独的画室中完成了大量的雕刻工作，他甚至每天努力完成至少一幅新画。图纸上用希腊字母“德尔塔”和“西格玛”代替了他自己名字的首字母和日期。在1950年，史密斯的绘画和雕塑作品经历了一个转折点，摆脱了他之前复杂象征主义的作品风格，转向更有线性、更有表现力的风格，既自由又有节奏，抽象但又容易识别。他开始更多地使用新媒体进行尝试，通过将黑色印度墨水与蛋黄混合来开发自己的新媒介。

何塞·安东尼奥（José Antonio Suárez Londoño）

015，何塞·安东尼奥，2000；图片来源：Ordovas

生于1955年的哥伦比亚艺术家何塞·安东尼奥花了40年时间来画画。通过训练有素的日常实践，他开发了大量的小规模绘画和版画作品，每一幅作品都让我们得以一窥各种人物、图案、植物和动物的世界。作为哥伦比亚最受尊敬的在世艺术家之一，何塞·安东尼奥最初在安蒂奥基亚大学(Universidad de Antioquia)学习生物学，这一追求为他的艺术实践赋予了一定的科学严谨性。在20世纪90年代，这位艺术家开始了孜孜不倦又细致入微的日常绘画实践，在这种实践中，他把铅笔放到纸上的行为仿佛变成了一种类似于仪式的行为。

076，何塞·安东尼奥，2010；图片来源：Ordovas

066，何塞·安东尼奥，2008；图片来源：Ordovas

何塞·安东尼奥的灵感来自于他周围令人眼花缭乱的视觉、文本和听觉。从插图、纸片和照片，到古典文本和流行歌曲，这些互不相关的元素被以一种方法论的方式综合了起来。何塞·安东尼奥高度关注他的材料的品质，他的作品运用了天鹅绒般柔软的木炭、五颜六色的水彩，以及精致的黑色墨水线条。（文章来源：Ordovas；编译：李琦卉）