6月21日上午，艺术中国与中间美术馆艺术家系列漫谈第3场在中间美术馆举行。一个当代艺术家，应该保持什么样的创作状态才是最好？艺术家靠什么支撑着走下去？漫谈围绕艺术家创作状态的话题，邀请马可鲁、梁好、冯良鸿、李木4位艺术家展开座谈，他们有着许多共通的体会，也有着单属自身的独到见解，相互交流碰撞之际，让观者无不受益良多。

梁好：恐惧和未知是最好的状态

作为一名当代女性雕塑家，梁好与其他三位艺术家相比有着独特的艺术身份。她认为当一个艺术家处在一种未知甚至是恐惧的状态时，才能创作出真正好的作品。当一块木头断然两截时，艺术家眼前映现出迥然于以往创作经验的视觉效果，怎样接纳眼前的偶然性的艺术效果并继续勇敢地创作下去，是一个当代艺术家需要学会的。“艺术实际上是一种对未知领域的挑战，”她说道。在这里，未知领域更多的是指一种精神领域甚至新的存在体悟。在谈到自己的创作经验时，梁好说道：“经常在做作品的时候，不知道是否成立，开始总是怀疑。”然而，正是这种怀疑的体验促成了具有当代价值的艺术品的出现。她希望在艺术作品中凸显一种人性和生命存在的感动，而这些都是无法用语言和文字表达的混沌的隐秘存在，必须用艺术形式表达和呈现。在表达和呈现的过程中，艺术家需要有极大的勇气和胆量将以前的范式破坏掉，时刻拥抱创作过程中的怀疑和不确定。

马可鲁：艺术家下意识的艺术感悟非常重要

谈起绘画状态，马可鲁因为有着40余年的创作经历，所以有很多东西难以用语言形容。他认为绘画是一种冒险，必须在每次创作的时候经历一次挑战，没有挑战便不能成为艺术创作。对马可鲁而言，艺术创作实际上是一种不断覆盖的过程，对面前的偶然性效果进行覆盖，进而产生一种新的偶然性。创作之前不要刻意地提醒自己要画什么、要怎么画，而是在画的过程中根据画面本身效果的指引，凭借自己敏锐的感觉将创作进行下去。他希望自己的作品能够成为第二自然，自己评感觉跟随作品，打破一切的条条框框和程式。提到艺术家的生活状态时，马可鲁提起了第1场沙龙时马树青曾经说过的观点：艺术家不愿意让人看到自己偷懒。马可鲁认为艺术家花大量时间在偷懒和看画，虽然看似无用，但实际上这是一种下意识的艺术感悟，其重要性并不逊于绘画的过程本身。

冯良鸿：不确定才是最好的状态

与梁好的观点相仿，冯良鸿也认为不确定才是最好的创作状态。在作画时，应该去除一切功利性和目的性的心理，这些只能破坏绘画过程的不确定性和偶然性。他认为绘画的出发点是很重要的，如果去除掉所有的功利心和目的心还能继续画画，那才是真正的绘画人生。结合马可鲁谈到的艺术家偷懒的问题，他认为一个艺术家真正重要的是他的艺术时间，所谓的艺术时间就是真正投入到艺术中的时间。有时候虽然看似是在画画，但是心境可能未曾真正融入绘画的状态中，这就不是真正的艺术时间了。一个艺术家的生命状态对于他的艺术来说至关重要，绘画和雕塑跟语言及文字不同，是绝对骗不了人的，一件艺术品可以直接的反映创作者的心性和生命状态。这就需要艺术家有好的“艺术出发点”，真正在艺术创作中体会一种快感，同时不断修炼自身的品性，以提高自己的精神境界。

李木：绘画须有一种对偶然性的期待

“凡是能够用语言和文字表达的东西，都不必用绘画表现。”谈话中李木用准确而明晰的语言表达着自己的艺术观点。结合自己的创作经验，李木谈起了自己曾经有过的艺术疑惑：到底是先想好了再画，还是画好了再想呢？他毅然地选择了后者，因为后者有着更多的变化性，如果想好了再画便意味着艺术家在依靠经验画画，由于没有任何挑战性，所以这不是真正意义上的艺术创作，对李木来说至少是边画便思考，而不是想好了再画。他认为艺术是唯一的超越民族的全世界母语，正是因为其中表达了某些不能言说而又共通的东西。要想表达这种共通的东西，艺术家就必须卸掉自己所有的艺术经验以及功利心，排除一切理性和重复，单纯地创造一种“没有发生过的艺术”。