面对艺术市场对新作品源源不断的需求，即便是最负盛名的艺术家也难逃供过于求的问题。
——导语
作品的创作过剩问题早已成为艺术界的新常态，乔纳斯·伍德（Jonas Wood）在伦敦高古轩画廊（Gagosian Gallery）的展览就是一个很好的例子。这些作品反而让我们怀念起他曾在作品中展现出的强烈情感，同时也让我们意识到，在长达近十年的画家生涯中，他渐渐抛下了早年确立起的创作标准。想到这些，观者不禁扼腕叹息。
伍德作品的视觉亮点就在于强烈的情感表现力，其可以精妙地展现出作品的内容所在，这样一来，作品的内容也就颇为真实可信，他把色彩背后的深意蕴于风格化的线条当中；而往往稍不留意，这类作品就相当容易流于平淡无趣。画家仿佛就是在说：我喜欢这些盆栽，这间屋子，毕加索的这幅画。
只有自身投入了设计、建筑乃至绘画等领域（哪怕在色彩上的造诣和能力此时尚未达到较高的水准），人们才更能懂得艺术作品的所言所指。就拿伍德的作品来说，明暗的色彩对比在他的系列作品中体现得淋漓尽致，他能把不同要素整合在一起，因此在作品的整体语境之下，昏暗线条也能绚烂如灯。
就他目前的展览来说，伍德运用色彩的水准没有下降，每部作品虽说还是有值得一看的地方，但其中却鲜有言之有物的佳作。过去我们得以见识了他对视觉语言和样式设计的高超把控，现如今这些缤纷多样的样式彼此之间却难以协调统一。比如说，某幅画中陈旧陶罐上的磨损花纹与画中的其他物件格格不入，仿佛是从另外一幅作品中穿越而来的。
在一张描绘画室的大幅作品当中，对天花板的处理可谓是一处惊喜，不过里面的留白非但不像是为了让欣赏者能喘口气而设计出来的，倒像是画家因时间不够而未完待续的遗憾。留白似乎一直都是伍德因来不及完成作品而不得已作出的选择，他那些盆栽题材的大幅作品也证明了这一点。
艺术市场的最爱
艺术作品的创作过剩化能引起严重的并发症。亨利·马蒂斯（Henri Matisse）曾说过：对画家来说，最可怕的敌人是他自己的劣作。他和毕加索都曾经历过艺术品供过于求的状况。艺术的市场化运作必然会导致艺术创作过剩化吗？对于画家居斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet）来说，答案是肯定的，但安迪·沃霍尔却不这么想。杰夫·昆斯 （Jeff Koons），村上隆，达米恩·赫斯特（Damien Hirst），以及安东尼葛姆雷（Antony Gormley），安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）和奥拉维尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）都是市场供求下的创作者，就连JulianOpie（朱利安·奥培）也颇为高产。
不过这些艺术作品得以大批量生产，离不开背后的成功运作模式，这也是大家有目共睹的事实。当代高产艺术家的范例要属沃霍尔，不过他的佳作虽出自大批量创作模式，其中也不乏不尽如人意的作品。这里不得不提一下前现代的高产画家彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens），他的创作模式更像是早期的沃霍尔。鲁本斯的作品有式微之迹，但原因却并非归于像沃霍尔那样大规模的创作；他的声名显赫离不开他对市场供需的把控，同样地，对于他的衰落，大批量创作也难逃其咎。（他使用助手是人尽皆知的事，但鲜为人知的是，他和助手们是当时镇上最优秀的画家，这些助手们每一处技巧的运用都离不开鲁本斯的把控。）
乔纳斯·伍德的作品从优秀转为欠佳，甚至说渐入式微，创作过剩该为此负起责任，但他的这种式微还不是像西班牙画家牟利罗和英国艺术家伊阿德姆-博阿基耶（Lynette Yiadom-Boakye）那样，后者的作品虽有每况愈下之嫌，但起码还有迹可循。
当下伍德的创作功力减弱，则更应归咎于类似卢克·杜曼斯式的批量生产模式，这种明显不如前作的衰落是肉眼可见的，这些作品或停滞不前，或急转直下，更像是带有杜曼斯标签的物件代替了原先的优秀作品，不过台下却还是响起一片捧场的叫好声。