现场作品：吃喜酒的女人们 1989年
2013年9月29日下午，由栗宪庭策划的“自逐——于振立个展”于今日美术馆开幕。本次展览同时由刘骁纯担任学术支持，梳理了于振立近40年的创作历程，这不仅是对他一生探索艺术的回顾，也探讨了他的艺术作为时代缩影所凝结的独特内涵。
于振立生于1949年，他的全部艺术经历，是以某种特例与典型的形式，为中国艺坛提供了一个样本。他18岁便以“革命宣传画”蜚声中国，他笔下那些“高大全”“红光亮”的风格，影响了当时全中国宣传画的画风，这无疑是建立了属于当时的美学风格。随着文革的结束，他创作的《彭总故乡行诗意》，又成为伤痕和乡土美术的先声，一方面与时代相关，一方面是他对艺术的洞察力促生了这次转变。而八十年代中期，于振立的超现实主义等系列，也与轰轰烈烈八五新潮的流行风格相契合。每一次转变，都像是在书写一个艺术家在时代格局变动间，与之产生的情感、体验以及意识与创作的位移。
艺术家于振立在展览现场讲解
二层主展厅 360度影像设计 试图还原于振立的生存环境
于振立手记
90年代末，于振立开始创作综合材料的抽象系列，而随后二十年醉心于此。他突然发现这是不再贴合时代的创作，他开始抗拒城市，抗拒名利所能为自己带来的浮华，艺术成为他支撑理解世界的路径。而自1994年起，于振立更是隐居于大连郊区大黑山，鲜少与外界沟通，随后十八年当代艺术的几起沉浮，都似乎与他的创作毫无关系。看似是坚守他艺术的理想，其实是以一种完全相反的观照方式，来完成自我新的创作。期间，他不断用大黑山周围的石头，用城市拆迁的建筑垃圾，用人们日常生活垃圾——汽车轮胎、酒瓶子、电视显示屏等“拾得物”，做了数个巨型的装置和雕塑。他盖的工作室，其墙体使用了各种废弃材料，墙面镶嵌了各种象征符号，承载了于振立的个人态度和感觉——用城市和现代生活的垃圾，有意无意嘲讽了一种疯狂的程式化现状。而于振立是在接近原生的境遇中，体会着孤独与精神的净化，他用美学的方式将消费后的废弃物用以创作，这些行为是自我与众生的对抗，是放逐于追逐的融合。
展览现场
展览现场
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