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邵大箴 (中国美协理论委员会主任、中央美院教授) ：现实主义这个词是中国在十九世纪从日本那里翻译过来的，有时称写实主义，有时称为现实主义。从技巧、技法上讲是写实主义，从带有意识形态性和观念性上讲是现实主义。
新世纪以来，对这个名词的争论很大。中国的艺术和世界的艺术一样都有现实主义和反现实主义。什么叫现实主义？我认为现实主义应该是关注人生、关注生活、关注现实。从具体技法上讲是要求写实的，是写实主义而不是抽象主义。现实主义范围有多大?有没有边缘?有没有边界？还有些什么？五十年代法国的新现实主义文学家、艺术家就提出无边的现实主义，现实主义是无边的。从观念上、从表意形态上可以是无边的现实主义，又引起了一场很大的争论。但是无边的现实主义提法扩充了现实主义的内涵，在另一方面讲对现实主义又有帮助，赋予了新的内容和新的内涵。
许江（中国美协副主席、浙江省美协主席中国美院院长）：现实主义是一个非常有趣的东西，现实主义精神放眼四海到处都有。在绘画历史上的现实主义和写实主义，是在德国浪漫主义、古典主义之后的一个流派，是资本主义上升时期的蓬蓬勃勃的一种艺术现象。在那个时代，是一种艺术的革命。但是传到东方，传到第三世界，传到很多非西方国家之后，往往变成了革命的艺术。比方说在中国，它不仅仅是艺术的革命，而且是革命的艺术，不断得到阐扬。在墨西哥有西盖罗斯的壁画，它也是现实主义，它也是革命的艺术。现实主义在西方的语言中是艺术的革命，到了东方，到了很多非西方国家之后，它结合了这个国家的民族斗争和现实斗争成了这个国家的革命，这是值得我们思考的问题。
王仲（《美术》杂志主编）：油画作为画种，就是反映生活反映历史的。作为一个油画家，他肯定想反映生活和历史，生活和历史有时是难以分开的。像詹先生画的《起家》，当时反映的是现实！现在就变成历史了。生活和历史无非是生活的流动，看你怎么理解的问题。实际上人们的绘画或者说现实主义绘画，画人们视觉所看到的所关爱的生存世界，现实主义就是这个意思。
中国油画到了二十一世纪，要多谈问题，才是我们发展的契机和动力。中国油画怎么发展？中国的油画家应该把自己放在世界的整个范畴之内来看问题。不管你是现实主义还是其它什么主义，就看中国油画的实际水平在什么地方？这也是中国油画界观察问题的一个角度，把中国油画放在世界里面看是一个什么水平，应该向人类油画的经典高峰去追赶或超越！
水天中（中国美术家协会理论委员会副主任）：现实主义的第一种说法是翻译引自十九世纪库尔贝的阶段，被美术界广泛接受的风格流派概念。后来人们把它上推，上溯到把希腊的雕塑，包括把中国古代的绘画也认为有现实主义；第二种是五十年代引进苏联提出的社会主义现实主义，也就是斯大林时期的现实主义；第三种解释在五十年代初期六十年末期，中国美术家协会章程里写着中国美术家协会以社会主义现实主义为创作指导思想，随着反修的开始，六十年代末期把这一条给删掉了。表明我们并不完全照搬斯大林时期的这种东西，对这一点我觉得它至少表现了当时毛泽东主义的民族气魄。
对革命历史画的创作来说，我们现在看到在中国所有提到的革命历史画，就想到了写实主义和革命现实主义的一种画法和风格。如果用其它的风格去画，去表现革命历史题材，去表现人对人类自身的某一个历史的阶段，一种特殊的感受和他想把这种感受感染给别人，我想这是现实主义和写实主义之外寻找的一种东西，在中国的历史上没有过，在西方的历史上也没有过。比如毕加索的《格尔尼卡》我觉得它就是一种历史画，它有一种非常感人的、心理的、文化的、政治的因素在里面，无法回避。就当前油画的水平和发展来说，确实在一百年来有非常大的发展，改革开放以来出现的好多画家，正在一步一步赶上和超过他们的前辈，应该乐观地承认这一点。对于写实主义和现实主义油画来说，还有很多路要走。
孙景波（中央学院教授）：詹先生的《狼牙山五壮士》到全老师的《八女投江》等一系列的作品，我觉得它是符合革命现实主义和革命浪漫主义的构思因素所创作的作品，代表了当时中国美术界在历史画中的成就。我们五、六十年代一批油画前辈是怀着革命激情和革命豪情及革命历史情感画出来的。1998年中国在美国搞了个《中华文明五千年绘画艺术展》，挂了很多油画。据说当时最能打动美国人情绪的还是这批五、六十年代的油画，引起他们的普遍重视，这一件事情值得我们反思和思考，这是老一辈油画家是用非常真诚的理想来表现生活的。
1980年陈丹青画了《西藏组画》，陈丹青自己说，画里更多的是自然主义因素，只是画了眼睛所看到的东西。如果从观念上来衡量我们的现实主义，我们的现实主义还少一点纯真的东西，我们还是提倡源于生活，提高于生活的概念。有的时候提炼会变得不那么现实。反过来被批判过的自然主义有时候到是更接近现在要讨论的这个现实主义。当然，我说的自然主义不是照抄生活和摄影的生活，而是一个被艺术家们观察和思考的东西。
对生活的关注，现实主义不等于写实主义，写实主义也不等于自然主义，有时候反过来自然主义比我们过去说的现实主义还接近一点。前面说的是概念，后面说的是技术。技术问题不单纯是一个写实的问题，绘画风格是可以多样的，就是写实画家的风格也是可以多样的。
曹意强（中国美院史论系主任、著名理论家）：不要太纠缠于现实主义的概念，因为艺术本身就是代表人类仿摹自然的一种内在的冲动。这种冲动在中国艺术里面就如谢赫说的 “气韵生动”，也就是说要摹仿自然。西方的亚里斯多得说：艺术是什么？艺术就是摹仿自然。今天所说的现实主义观念是一个后来的流派观念，十九世纪才产生，在这之前是没有的。我们所说的现实主义或写实主义实际上包含着形而上学的东西，并不是我们想象中所说的现实主义就是画我们眼睛所看到的东西。举两个非常简单的例子，中国以前叫“师法造化”，“师法造化”这个概念有人也把它理解成自然主义，这跟西方的概念是有区别的，但是有一点是一样的，就是对自然的一种内心摹仿。范宽说过：“师法造化，不如师吾心”。就是要摹仿他心里的东西，在西方，拉斐尔也说过这样的话。有人问拉斐尔为什么把圣母画的那么优美，他说我是摹仿自然，而不是摹仿眼睛所看见的东西，我是摹仿心灵中的理念，这就是范宽所说的“吾心”。我们可以把它说成这是艺术家个人的看法，是艺术家的修养，是所有的文化素养综合在一起所形成的一种标本，这些现象在文艺复兴中也充分体现出来。但我们常常把文艺复兴的画简单地来概括为：它是张扬个性、人性和人性的画。
文艺复兴时期的画并不只是张扬个性，它带有非常强烈的宗教色彩，艺术家运用一些科学的手段来更好地宣扬上帝的力量，因为人是上帝按照他的形象创造的，艺术家通过艺术来体现上帝的力量，艺术在这个过程当中体现了形而上的观念。当时有人说过跟库尔贝一样的话：我只画我眼晴所见的对象。这个观念到十九世纪被强化了，印象主义把它推到了顶点，印象主义的目标很简单，就是要画出我眼睛所见到的对象。包括它的光线变化，包括光线在某个时段的变化。印象主义是真正现实主义并且达到了顶峰。
对中国艺术的发展，康有为曾站在拉斐尔画前说：中国画衰败了。中国画在宋代就已达到了很高的水平，后来我们把好东西扔了，去玩弄笔墨了。康有为把中国艺术的衰败归究于董其昌，认为中国艺术要发展必须再回到自然，而并不是摹仿自然，不能以朗世宁为榜样。如果艺术仅从技术到技术，当技术达到了顶峰的时候就会缺少一种东西，这种东西就是我们五、六十年代老一辈画家所创造的东西。这些作品在技巧上你可以接近它，但作品有一种激情！有一种震撼力的东西！今天就是健在的老一辈艺术家现在也不会再次画出当时的这种感觉。为什么当时有，现在不会有。一个重要的原因就是这个时期政府给画家提供了最好的待遇，这是非常重要的。当这个青年艺术家被委托为中国博物馆画一幅大型历史画的时候，每一个画家都有一种荣誉感。如今连外国人看了以后也说：这批画好，技巧不怎么样，但里面有一种东西，有一种气势。我们的油画技巧确实还不成熟，问题是文艺复兴的这种订件，就是出现了大师，为什么我们的订件就变成了为政治服务，而西方就变成了艺术家个性天才的体现呢？
把风格当作一种价值判断是错误的，风格是一种什么东西？它的确很需要，但只是一种内幕的评判标准。在西方，风景画有风景画的评判标准，历史画有历史画的评判标准，风格内幕的评判标准跟作品价值的评判标准是不一样的，但是它们有相连的关系。比如对西方历史画的评判标准一般有四种：一、栩栩如生，二、创意发明，三、创意设计，四、色彩。当然这并不是绝对的评判标准，有时候是会变化的，但是它告诉你帮助你建立每一个艺术门类的基本目标。
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