2017年7月9日，英国艺术家大卫·霍克尼迎来了80岁生日，他的家乡英国布拉德福德和他长期居住的洛杉矶均推出展览为其庆生。对于这位不断创新，始终对艺术充满新鲜感的艺术家而言，每一条展览线索均呈现出一个令人惊喜的大卫·霍克尼。
在上海博物馆正在举行的“大英百物展”中，正有一件来自大卫·霍克尼创作于1966年的《两名年轻男子》。而在今年初，伦敦泰特不列颠美术馆（Tate Britain）推出其回顾展，在为期16周的展期内参观人数多达47万多人次，这在泰特不列颠美术馆上尚属首例。足可见人们对这位英伦大艺术家的追捧。
80岁的大卫·霍克尼生日写下“爱生活”，他说，在工作的时候感觉自己像毕加索，感觉自己只有30岁。
霍克尼的英伦烙印
大卫·霍克尼80岁生日当日，作为其出生地和灵感的起点，家乡布拉德福德的卡特赖特宫（Cartwright Hall）专门辟出一间永久性画廊，展出霍克尼的艺术创作历程。在这个名为“大卫·霍克尼在卡特赖特宫”（The Hockney Gallery at Cartwright Hall）的展览中，有展出一些未曾公开过的霍克尼早期作品，包括1953至1957年在布拉德福德艺术学院（Bradford School of Art）的素描本和自画像。
展览展出的部分大卫·霍克尼的素描本
1937年生于布拉德福德的大卫·霍克尼，幼年便表现出对艺术的浓厚兴趣。布拉德福德无疑是他艺术启蒙的地方，他与卡特赖特宫的联系更是不言而喻——“那是我在布拉德福德唯一一个可以看到真正的绘画的地方”。
布拉德福德的卡特赖特宫
1953年16岁的霍克尼进入布拉德福德艺术学院学习绘画，主要接受欧洲传统写实绘画教育，注重训练扎实的功底和严谨的结构，虽然传统写实风格与其后来的艺术风格大相径庭，却为他打下了坚实的绘画基础。在艺术学院学习期间，他曾经推着装满绘画材料的手推车走遍了附近的大街小巷，当时画的街景、洗衣房和市场，以及最早涂的素描本，此次卡特赖特宫的展览均有展出。
大卫·霍克尼在布拉德福德写生街景地图
1985年，霍克尼漫步布拉德福德街头
其中尤其值得一提的是一张创作于1954年的自画像，画面中17岁的霍克尼正在布拉德福德艺术学院学习，留着黑发和西瓜皮发型、粗框的眼镜、蓝外套、灰白相间的衬衫、垂直条纹的绿裤子……而这一切皆由不同颜色的媒材剪贴而成，透露出另类的流行趋势。当时许多现代艺术家倾向用报纸、广告、插图等唾手可得的媒材制作艺术品，年轻的霍克尼自然加入热潮之中。
1954年大卫·霍克尼自画像
1959年霍克尼来到伦敦皇家艺术学院。在校期间，他结识了培根（Francis Bacon）与汉密尔顿（Richard Hamilton），后见到德库宁（Willem De Kooning）和波洛克（Jackson Pollock）在内的美国抽象表现主义画家的作品，一度受其影响至深。但他很快就摆脱了这种影响，从1961年开始，他的作品加入人物，且接近儿童艺术或者涂鸦风格。这一尝试或为霍克尼转向具象的“自然主义绘画之路”做了铺垫。
泳池，1978年
作为霍克尼早期作品的最大馆藏地，卡特赖特宫的此次常设展还展出他的一些版画，包括著名的《弹蓝色吉他的人》（The Blue Guitar）和A Rake’s Progress。几张霍克尼的私人照也会出现在展览现场，包括1960年代在他钟爱的加利福尼亚蓝色泳池边的站立照、1970年代与父母乘船同游英格兰湖区的照片，以及1980年代与爱犬的同框照，罕见地透露出艺术家的个人生活；另有一部Bruno Wolheim拍摄的纪录短片，展现霍克尼在约克郡工作时的场景；同时展出的还有1989年布拉德福德电话簿的复印件，封面为霍克尼设计。除此之外，霍克尼的其他艺术阶段，包括伦敦皇家艺术学院的学习到大型加利福尼亚泳池画，再到六年前返回约克郡后使用iPad的创作，悉数呈现。
霍克尼设计封面的1989年布拉德福德电话簿
灿烂洛杉矶的华丽色彩
尽管大卫·霍克尼艺术风格形成于英国，且1961年最早受到公众关注时，他还是英国皇家美术学院的学生，而1964年霍克尼厌倦了英国教条主义来到美国洛杉矶并定居多年，阴郁的伦敦与灿烂的洛杉矶使他的作品出现了巨大的反差。
在1964至1971年间，他创作了大量关于泳池的画作，并尝试以不同的方式呈现阳光下闪闪发光、不断变化的水面。1967年他赢得英国约翰·莫尔绘画比赛大奖的作品即是源自于洛杉矶阳光下的泳池。可以说1960年代，在伦敦和洛杉矶期间的作品为他带来了广泛声誉，也确立了霍克尼在画坛上的地位，而洛杉矶的阳光、泳池和现代的建筑也在霍克尼的笔下透出特别的光彩。
1967年赢得英国约翰·莫尔绘画比赛大奖
在英国本土以各种形式为大卫·霍克尼庆祝80岁生日的同时，美国洛杉矶盖蒂艺术中心（The Getty Center）亦举办了展览“生日快乐，霍克尼先生”（Happy Birthday, Mr.Hockney）为其贺寿，展览以过去65年中霍克尼的自画像和20世纪80年代以来其艺术变化和观点的关键“照片”创作（宝丽来复合材料和照片拼贴画）为主题，由朱利安·布鲁克斯（Julian Brooks）和弗吉尼亚·赫克特（Virginia Heckert）分别策划，展示了霍克尼华丽的时尚感和对衰老的反应。
自画像，1954
自画像，法国热拉尔梅，1975
作为20世纪60年代英国流行艺术运动的创始成员之一，大卫·霍克尼利用摄影技术启发自己的作品——从现实主义的照片到半抽象的、多彩的肖像和风景。根据霍克尼的说法，摄影有其局限性：它无法捕捉时间，只能是一种机械再现。
他认为“照片看到的是表面，绘画展示的是空间，空间比表面要神秘。”
带有蓝色吉他的静物，1982年4月4日于洛杉矶，复合宝丽来
但20世纪80年代，霍克尼将创作兴趣更多的转向了摄影。“我从来不认为这个世界像是照片”，2004年霍克尼在接受《卫报》采访时曾说，“而照片只是很多人的一种观看方式。”镜头以何种方式、多大程度靠近视觉艺术才是关键所在，而立体主义是第一种以背离镜头真实的方式再现世界的绘画风格，而霍克尼在毕加索的立体派观点上结合不同媒介和技术，以多点透视的方式拼贴照片以获得一种移动对焦的效果，从而创造出自己的摄影形式：宝丽来和摄影拼贴画。
颜料手推车，摄影拼贴，1985年
当观众的眼睛围绕霍克尼所创作的复合图片观看时，其观点也不断变化。这种观看方式解开了媒介的限制，增加了时间、纹理和令人着迷的动作……周遭的一切在目光下起伏。
1982年2月28日杰瑞潜水，复合宝丽来
此次展览协理策展人，盖蒂博物馆摄影部门负责人弗吉尼亚·赫克特认为：“通过描述同一个对象的多个方面，霍克尼摄影作品鼓励观众想像通过空间移动，以便摄影对象在时间上得到延伸。”
阅读毕加索的尼古拉斯·怀尔德，1982年3月24日于洛杉矶，复合宝丽来
和艺术家本人一样，这些复合材料的使用带有实验性，且有趣、活泼，从中观众也可以读到霍克尼试图从不同的角度看世界和思想的开放性。
自画像，1986年6月
而展览另一部分的自画像，则更像是霍克尼艺术历程和自我剖析的缩影，尽管霍克尼对照相艺术进行了多种革命性的实验，但他却笃信，相机将现今的视觉艺术弄得愚蠢不堪，而在绘画过程中，艺术家的凝视能持续很久，可以深入了解一个人体、一件物品、一片景象，就像长时间的曝光，照片只是一刹那地捕景而已。因此“绘画将永远不死”。
自画像，1999年6月9日
也许正因为如此，20世纪90年代开始，大卫·霍克尼再次创作了一系列自画像，并将自己表现出忧郁的状态。他曾在接受采访时表示：“我常给自己画像，是因为每过一段时间，我就觉得要重新审视一下自己。人在端详自己的时候，通常是笑不起来的。当我盯着镜子里的那个人，我看见的，和你们看见的不一样。”
红背带的自画像，2003
面对自画像风格不断透出其艺术思潮的变化，盖蒂博物馆的策展人之一的朱利安·布鲁克斯（Julian Brooks）认为，大卫·霍克尼的作品始终与时代保持着密切的关系，很大程度上是因为他始终接受和使用新技术，尤其是在2010年iPad发布仅两个月后，霍克尼便开始使用应用程序“Brushes”在平板电脑上作画。
自画像，2012年3月20日，iPad作品
通过这些自画像，也显示出大卫·霍克尼人生的各个阶段都的潇洒自由、与众不同。
自画像，1984/1986