英国当代艺术在全球艺术界都有着举足轻重的地位，萨奇画廊（Saatchi Gallery）、泰特现代美术馆（Tate Modern），一个个响亮的名字都被全世界所关注。于1984年首次颁发的“特纳奖（Turner Prize）”，是英国最重要的艺术奖，这个奖项旨在鼓励对当代艺术的发展。主要颁奖于50岁以下的英国艺术家。每年会有四位艺术家入围，入围者主要是在当下在英国工作或出生于英国但在任何地方工作的艺术家。这些机构都推动着英国当代艺术，给在世艺术家提供了好的舞台，并培养出无数优秀的艺术家。而许多著名艺术家的最初受人关注就是从“特纳奖”的提名开始。

我们一起来看看英国在过去十年中，顶尖身价的五位在世艺术家，他们成长在同一个时期，并都获得过“特纳奖”提名，对英国当代艺术的崛起有着重大贡献。

彼得·多伊格（Peter Doig）

彼得·多伊格，图片：卫报

彼得·多伊格是当今最具代表性的画家之一，而他作品的独特之处在于能将风景和人物这两个重点平衡，用毫不虚饰的抽象绘画方式将艺术与个人经历结合到一起。通过对并存在于同一时代的生活快照进行加工，借助照片来重新演绎、融合真实的记忆和场景，让作品产生强大而有力的影响力。例如，灵感来源于他童年滑雪之旅的绘画作品。他的画没有什么固定的公式，这些作品成为了他人生的一个重要组成部分，洞察着他的个人经历和政治环境。

《白色独木舟（White Canoe）》图片：萨奇画廊官网

“我从不试图让作品看起来像是照片” 彼得·多伊格在讲述他创作过程时说道，“我只用照片作为绘画的参考，就像摄影刚刚被发明时，画家曾经做的那样。”他摒弃了风景绘画的传统，也从不拘泥于任何艺术流派。作品所呈现的景物是介于记忆与想象之间的影像，从本质来说，呈现的是虚拟的景物。他在绘画中应用奇特的色彩、光线效果、相互矛盾的透视以及不同绘画传统与技法的混合。

《滑雪服（Ski Jacket，1994）》图片：泰特美术馆官网

彼得·多伊格是迄今为止欧洲在世艺术家中作品拍卖价格最贵的。2007年，他的作品《白色独木舟》在苏富比拍出1130万美元的价格，打破了当时欧洲在世艺术家作品拍卖纪录。2013年，他的作品《山沟里的建筑师之家》在伦敦再次拍出1200万美金的高价，去年5月，作品《淹没》又以2592万美元的天价再次打破记录。

达米恩·赫斯特（Damien Hirst）

达米恩·赫斯特，图片：celebrities.org

达米恩·赫斯特是英国概念艺术家中最为突出的一位成员，和利亚姆·吉利克（Liam Gillick），翠西？艾敏（Tracey Emin）和莎拉·卢卡斯（Sarah Lucas）一样，赫斯特也是英国青年艺术家（YBA）的成员之一，他们的展览常常装置在一个非常规空间，例如仓库和工厂。

达米恩·赫斯特《金牛犊（The Golden Calf）》. 图片：Peter Macdiarmid/Getty Images.

    赫斯特于1965年在布里斯托尔出生，在利兹长大。作为伦敦金史密斯学院的一名学生，他抓住了收藏家和画廊主查尔斯·萨奇（Charles Saatchi）的眼球，让萨奇成为他的早期赞助人。1999年，萨奇花了5万英镑购买了赫斯特名为《生者对死者无动于衷（The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living）》的作品，那是一条浸泡在甲醛中的鲨鱼。赫斯特和萨奇有过长达十年的友谊，他们互相提高了对方的名声。但是，后来他俩关系破裂至今还未完全愈合。

《生者对死者无动于衷》，图片：cargocollective.com

而关于这件被萨奇购买的作品，从表面来看这条巨大、被杀死并保存在充满甲醛玻璃柜中的鲨鱼，将它放进自然科学博物馆是一个更适合的选择，但实质上这件作品引起了人们对生命的思考。重点在于这件作品的名字，仔细读一读这个名字：《生者对死者无动于衷》，这句话似乎讲述的是关于死亡的一个事实。作品与它名字之间产生出一种化学反应，引发了观者对生命的思考，或许这件作品就是在批判工具理性发展到极致之时，人类对生命的漠不关心。

让这位“英国青年艺术家”成员身价飙升的作品是《春季摇篮曲》（Lullaby Spring，2002），2007年在伦敦苏富比当代艺术夜场中拍出1923万美元的价格。

格伦·布朗（Glenn Brown）

格伦·布朗，图片：Widewalls

格伦·布朗的作品《装饰性绝望（为伊恩·柯蒂斯而作）从1986年克里斯·福斯所作像尘土般的星星复制而来》在2013年以574万美元成交。他也是在世艺术家里价格最贵的画家之一。

从复制其他艺术家的作品开始，格伦·布朗通过改变其颜色、位置和大小重新解读了原本的图像，作品被他进行了深思熟虑的重造和延展，渐渐的使得这些题材变得引人入胜和生机勃勃。他的绘画有着风格奇异但令人沉迷的人物，仿佛是在使用厚涂颜料的绘画法，但事实上是通过薄的、旋转的绘画技巧来塑造出这种十分逼真但却平面的错觉。

《装饰性绝望（为伊恩·柯蒂斯而作）从1986年克里斯·福斯所作像尘土般的星星复制而来》（1994）。图片：Courtesy of Sotheby‘s.

 布朗一生的作品中只有极少的雕塑作品，但这毫无疑问是布朗艺术创作中一个非常核心的练习方式。布朗通过在丙烯和玻璃纤维结构上堆积厚厚的油画材料、或是以铸造青铜的方式创作雕像。他的雕塑与平面绘画形成鲜明对比，刻意强调着油画笔触所带来的立体厚重感。

《赛茨维尔 C（Sizewell C， 2016）》图片：格伦·布朗个人网站

在过去几年里，格伦·布朗主要在进行绘画创作。概念上仍然扎根于对艺术历史的参考，他舒展、组合、扭曲和重叠图像，在他的作品中留下精细而复杂的线条。同时，他尝试使用印度墨水、丙烯和油画等材料在各种不同的纸和画板上创作，而不局限与某种特定的绘画材料。

现代艺术中心（Contemporary Arts Center）正在举办他在美国的第一次个展，展览将持续到明年1月。

格伦·布朗展览图片，图片：格伦·布朗个人网站

 大卫·霍克尼（David Hockney）

大卫·霍克尼，图片：artnet

大卫·霍克尼的《比佛利山的家庭主妇（Beverly Hills Housewife）》在2009年纽约佳士得以792.2万美元成交。霍克尼创造了一些本世纪最生动、最有辨识度的绘画作品。他对创造的追求跨越了各种不同的媒介，从画板到平板电脑，从对摄影作品的拼贴到全尺寸的歌剧舞台。

大卫·霍克尼的《比佛利山的家庭主妇（Beverly Hills Housewife）(1966-67)》图片： via Hockneypictures.com

霍克尼的作品主要在于表现他在洛杉矶的生活，这是一种从童年开始的迷恋，并一直持续到他1964年访问美国西海岸。霍克尼他充满活力的波普艺术绘画作品中捕获了城市的天气、闲暇、享乐主义精神和文化。他爱上了这里的阳光、色彩、空间和人。此后15年，他在纽约、洛杉矶、巴黎和伦敦之间辗转，直至1978年，霍克尼在好莱坞比华利山上购入一处房产，从此定居于洛杉矶。“我喜欢生活在彩色之中”他说，因此他决定在这个城市定居。霍克尼的改变不仅仅只是工作和居住的城市有了变化，同时他的绘画作品也发生了改变。这里为霍克尼提供了无穷无尽的视觉灵感，数百幅标志性风景画在他家中和花园里诞生。

《梨花大道公路（Pearblossom Highway， 1986）》，拼贴画，图片：大卫·霍克尼个人网站

霍克尼在洛杉矶找到了一种崭新的观看和呈现世界的方式。他笔端辨识度极强的画面，让观众一眼难忘这不羁的色彩、感性的生活方式、享乐主义的图景。同时，他从油画逐渐改变为丙烯绘画，这让他作品的笔触更加平滑、色调更加鲜明，例如他的游泳池系列。

而今，笔端永远流畅、多产而丰富多彩的霍克尼，回忆早年接受的绘画教育，他表示，“老师只能传授技艺，而非诗意。”后者无法传授，只能在熟知前者之后，慢慢感受。

安东尼·葛姆雷（Antony Gormley）

安东尼·葛姆雷， 图片：网络

2011年，安东尼·葛姆雷著名的雕塑作品《北方的天使（Angel of the North）》的设计模型在伦敦佳士得以537.6万美元售出，远远高出其坐落在盖茨黑德（Gateshead）的实际雕塑售出的价格（134万美元）。

葛姆雷以探索身体与空间的关系而著名。他最为人知的公共雕塑和装置除了雕塑作品《北方的天使》以外，还有在伦敦的作品《活动地平线》，这个作品由艺术家制作的“自己身体”组成，嵌入在每个城市的天际线。

《北方的天使（Angel of the North， 1994）》图片： Antony Gormley and Gateshead Council.

“我从来都不是对雕塑感兴趣”艺术家说，“但是我对探索人类占有空间的性质是什么一直有兴趣。” 他认为，世界上并不真正存在完全是人类创造的美丽事物，无论是头发、脸庞还是其他之类，这些都是虚幻的表相，而真正的内核是什么？是我们去观看的时候，作为观者投射给作品的理解。这个意义是观者赋予的意义，也就是葛姆雷想要强调的，作为观者在艺术创作中占有的力量法则，所谓观者也是一半创造者。

《另一个空间（ANOTHER PLACE， 1997）》，图片：安东尼·葛姆雷个人网站