Two points of view.
为了纪念其2019年度艺术市场报告的发布，Artprice在纽约苏富比艺术学院举办了圆桌会议，探讨这一范式转变。Artprice对2020年3月3日举办的辩论的所有与会者，以及同意分享他们的想法的专家和苏富比艺术学院的整个团队表示衷心感谢。
传统上，艺术史是参照日期、地点、流派和技巧等精确标准来分析艺术趋势演变的。然而，如今，似乎普遍采用了一种更加灵活、关联性更强的方法，最大动力可能来自互联网和社交网络普及带来的思想、展览、艺术家和作品之间的动态碰撞。
ArtMarket.com创始人兼总裁蒂埃里-埃尔曼(Thierry Ehrmann)表示：“博物馆习惯了以线性方式向我们展示艺术史，将作品按时代和流派进行分组。但现在博物馆更倾向于更自由的展示。举例来说，纽约现代艺术博物馆(MoMA)有一个画廊，同时展示巴勃罗-毕加索(Pablo Picasso)的《Les Demoiselles d'Avignon》（1907年）、路易斯-布尔乔亚(Louise Bourgeois)的雕塑作品《Quarantania》(1947/53)以及菲斯-林戈尔德(Faith Ringgold)的《美国人民系列20：死亡》(American People series # 20: Die，1967年）。这样的展示似乎反映了另一种拍卖图录趋势，即当代作品在古典大师的作品或现代杰作旁边展出，反之亦然。别忘了，佳士得在战后和当代艺术拍卖中售出了《救世主》(Salvator Mundi)。”
为了纪念其2019年度艺术市场报告的发布，Artprice在纽约苏富比艺术学院举办了圆桌会议，探讨这一范式转变。Artprice对2020年3月3日举办的辩论的所有与会者，以及同意分享他们的想法的专家和苏富比艺术学院的整个团队表示衷心感谢。
视觉冲击和思想碰撞
1937年，纽约现代艺术博物馆举办了一场名为《Prehistoric Rock Pictures in Europe and Africa》（欧洲和非洲史前岩画）的展览，策展人阿尔弗雷德-巴尔(Alfred Barr)展出了米罗(Joan Miro)和毕加索的作品以及弗罗贝纽斯(Leo Frobenius)的洞穴艺术作品。但正如史前学家伊曼纽尔-盖伊(Emmanuel Guy)于2019年6月在法国文化电台所说：“现代作品和史前作品并没有完全融合。某些作品联系得更紧密了......，不过有人可能会说，显得有所保留，包括在空间上将它们分开。”2019年，在巴黎蓬皮杜中心举办了一场名为《史前，一个现代谜团》(Prehistory: A Modern Enigma)的展览，旧石器时代场地与贾科梅蒂(Giacometti)、摩尔(Moore)和布朗库西(Brancusi)的雕塑完美融合在一起；米罗的一幅画作直接挂在史前工具前，而弗罗贝纽斯的作品则挂在皮埃尔-于热(Pierre Huyghe)的视频的对面。
人们现在已经对极具反差的艺术形式习以为常，这种艺术形式目前非常流行。数年来，凡尔赛宫(Palace of Versailles)邀请了多位当代艺术家在其花园和沙龙展出作品，包括杰夫-昆斯(Jeff Koons)、格扎维耶·威兰(Xavier Veilhan)、村上隆(Takashi Murakami)、伯纳德-维纳(Bernar Venet)、李禹焕(Lee Ufan)、阿尼什·卡普尔(Anish Kapoor)和奥拉维尔-埃利亚松(Olafur Eliasson)。当代艺术家之间和华丽的巴洛克装饰风之间的“碰撞”每次都能够带来“视觉冲击”。这种冲视觉击将早期艺术与当代作品完美融合在一起。
撰稿人、艺术评论家贾德-塔利(Judd Tully)表示：“数年前，可能就有人在弗里克收藏馆(Frick)看到了这样的例子，收藏家汤米尔森-希尔(Tomilson Hill)收藏了文艺复兴时期的雕塑以及弗朗西斯-培根(Francis Bacon)和赛-托姆布雷(Cy Twombly)的作品。实际上，他过去在自己的公寓以及现在在切尔西的基金会都在很大程度上融合了早期艺术和当代作品。有一次，我采访他，我问他流派融合的想法是怎么来的。他说，这样的想法最初来自建筑师彼得-马里诺(Peter Marino)。”
顺便说一句，汤米尔森-希尔可能还是《Toulouse Caravaggio》的买主。2019年6月《Toulouse Caravaggio》对外出售时，Hill正在举办一场展览，展出抽象主义画家克里斯托弗-伍尔(Christopher Wool)的作品，为其全新基金会揭幕。
灵活的“碰撞”
数个世纪艺术家之间的直接或间接“碰撞”带来了自由，社交网络，特别是#标签，完美地反映了这一点。古典大师作品和超当代作品之间的视觉撞击在Instagram和Pinterest非常受欢迎。
《Discoveries in American Art》编辑彼得-福尔克(Peter Falk)表示：“Instagram已成为艺术市场不可或缺的一股力量。那么问题来了，Instagram到底是艺术市场的推动力还是颠覆力量？如果是推动力，那么下一个演变阶段是什么时候？是否意味着Instagram可以带来新的趋势？”
Artprice对#标签非常有兴趣，因为#标签让我们能够通过识别不同地方、展览和艺术家等之间的共性来确定艺术市场趋势。例如，有整整一代的女艺术家，她们都是50岁以下的非裔美国画家，使用拼贴技术来创作亲朋好友的肖像，也有这样一群艺术家，她们接近街头艺术，参考流行文化，在香港创作非常优秀的作品。#标签让事物之间能够产生灵活的“碰撞”，可能会忽视传统的艺术历史方法，也许是因为发展得太快了。
纽约苏富比艺术学院的凯西-巴蒂斯塔(Kathy Battista)表示：“最大的变化在于谁书写历史。我们有个悠久的传统，巴特(Barthes)等人书写了现代艺术史，现在突然每个人都在书写历史，因为互联网和社交媒体已经完全实现了民主化。因此，我认为我们生活在新时代，而#标签是这个新时代的象征。‘学术界’会如何响应，这很有趣。例如，耶鲁大学艺术史系的蒂姆-巴林根(Tim Barringer)首次放弃了整个艺术史教规。”
事实上，长期以来，白人、异性恋、男性艺术家的西方教规一直统治着西方艺术史。但事情正以令人难以置信的速度（有时以相当挑衅的方式）发生变化。洛杉矶大卫-康丹斯基画廊(David Kordansky gallery)为“某族裔”的收藏家保留了劳伦-哈尔西(Lauren Hasley)个人画展的某些作品，震惊了艺术市场。不过，这种情况很少见。凯西-巴蒂斯塔承认，“走进惠特尼博物馆，看到烤肉前有一幅13英尺高的黑人画，真让人耳目一新。”
如今，艺术品之间的“碰撞”更加灵活，而且这些“碰撞”的限制性更小，最重要的是不断地演变。纽约现代艺术博物馆一些画廊每六个月换一次画，以展示更多画作，并推动新的“碰撞”。可以肯定的是，艺术市场将不得不开发新的工具来适应这种加速发展。
