摄影梦想家Vol.2 | 阿尔弗雷德·施蒂格里茨

时间:2017-08-11 08:00:00 | 来源:中国摄影出版社

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摄影梦想家
摄影史中专注的实验者
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2017年四月 Vol.2

 

写在前面:摄影师生活和照片的辗转起伏,甚至他们作品的领域,都说明“梦想家”的概念更多地可以理解为“视觉先锋”:并不是先知,而是专注的实验者,他们的思想和照片在拓展了这种媒介的同时,也扩大了人类认知的范畴和领域。

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 你随便问一位摄影师,让他举例说出谁是最有影响力的摄影师,阿尔弗雷德·施蒂格里茨的名字总会名列前茅。为什么施蒂格里茨这么著名?答案很可能并非那么明确。 施蒂格里茨的众多想法已经成为主流艺术文化的一部分,这些想法是如此之多,以至于人们很少把他和他的想法联系在一起。他的策展技巧、他对艺术的热情和较真的精神启发了那些与他风格迥异的艺术家。如果你想和他玩小世界理论 (six-degrees-of-separation)的游戏,你会发现自己踏上了一场寻找20世纪美国艺术家和摄影师的旅程。

《阳光—保拉》(Sun’s Rays– Paula),柏林,1889年

他创建了对于艺术和摄影之间关系的不同看法。对于施蒂格里茨来说,艺术摄影是美感的表达,美感不是体现在不同媒介形式的使用上,而是存在于艺术家思想和精神之中。 他把这些信念贯穿于他30多年的时间里在诸多画廊做过的展览之中,同时也体现在办刊时间虽不长但影响深远的《摄影作品》杂志上。

《统舱》,1907年

施蒂格里茨创办的第一个画廊叫作“摄影分离派小画廊”(Little Galleriesof the Photo-Secession),主要展示欧洲先锋派绘画和雕塑作品,以及美国的艺术和摄影作品——其中包括当时还籍籍无名、后来成了他夫人的年轻画家乔治 娅·奥基芙(Georgia O’Keeffe)的作品。施蒂格里茨是一名急先锋,通过艺术家的具有独特特征的媒介去表达抽象概 念。他对于那些看上去像绘画的摄影作品,或看上去像照片的绘画作品都不感兴趣。他认为使用各种媒介的艺术家都应该是现代艺术家,要敏锐地适应各种新实践和新形式。照片的售价还需要半个世纪才能与绘画的价格匹敌,但是施蒂格里茨在那时就播下了使两者平等化的种子。从镀金时代流行的朦胧摄影到焦点锐利、视角独特的立体派的研习,他自己的作品有一个演变过程。对于有抽象 事物出现的瞬间,他保有本能的直觉。回忆起拍摄《统舱》 (1907年)这张照片的感觉时,他写道,这既是一张基于形状的照片,又是一张基于最深层的人类情感的照片。

《对等物》(Equivalent),1930年

《苹果和山形墙屋顶》乔治湖,1922年

和毕加索、塞尚(Cézanne)和马蒂斯等画家一样,他的照片植根于包括私人生活在内的日常生活。他拍摄家庭快照,然后把它从记忆中的私人领域转变成公共表达。从早期他在德国拍摄的照片,到接近事业末期在美国纽约乔治湖 (Lake George)拍摄的照片,他的作品都与他的个人经历息息相关。大部分拍摄主体都是可以识别理解的,但是他拍摄的近乎抽象而又神秘的天空照片(也被叫作“对等物”,从20世纪20年代中期开始,这个项目他持续拍摄了10年)看上去是内心指向的,阻断了观众解读的路径。这些照片通常是暗调、细微的,没有地平线或者其他上或下的标示,在抽象的边缘徘徊。作为反映施蒂格里茨内心生活的范例,“对等 物”还不能被完全理解。但是这个概念影响了诸如米诺·怀特(Minor White)等后辈摄影师,让他们的抽象表达合法 化,也是对他们在艺术中融入个性化表达的一种支持。

以上内容选摘自中国摄影出版社新书《摄影梦想家》


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