波洛克代表作品

纽约当地时间2015年11月22日，美国艺术家杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）大型回顾展（Jackson Pollock: A Collection Survey,1934–1954）在纽约现代艺术博物馆（MoMA）拉开帷幕。展览以MoMA馆藏的近50件经典作品为展示和研究对象，追溯了从上世纪30年代直至1956年画家去世期间的创作历程和风格演变。本次展览不仅详细梳理了波洛克创作生涯各个阶段的作品及特色，还进一步向观众展示了艺术家对于材料和技术的广泛涉猎。据悉，此次展览将持续至2016年3月13日。

MoMA馆藏的波洛克作品无论从质量还是广度上都无与伦比。此次展览展出的作品不仅包括波洛克的经典之作，创作于1950年的大尺幅布面油画《One:Number 31,1950》，还展出了一系列素描、石版画及丝网版画作品，不仅充分展现了这位20世纪最为重要且极具影响力的美国艺术家不为人们所熟知的一面，也从多个角度印证了不断尝试和实验新的表现形式一直被波洛克视为其创作核心。

在这二十多年的创作历程中，波洛克的作品从早期对原始、神秘内容的关注，发展为将表现和抽象元素结合在一起的图像内容，并最终树立了其最具特色的个人创作风格“滴画”（drip），从而达到了职业生涯的顶峰。波洛克正是因为这一风格的确立而成为二战后抽象表现主义的奠基人之一，其作品也被视为二战后新美国绘画的代表，从而成为战后美国影响国际画坛的第一个大事件。波洛克的创作打破了传统绘画方式及形式，并为雕塑及行为艺术开辟了新的道路。

据悉，本次展览将波洛克的创作分为三个部分：早期作品（1934-1943），过渡时期作品（1944-1947）以及成熟时期作品（1948-1954）。

早期作品（1934-1943）

1934-1943年期间，波洛克试图通过学习大师作品并从中汲取养分来寻找自己的创作风格。这期间，他曾取经埃尔·格列柯（El Greco）和彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens），学习他们对于肌肉的塑造和对肉体扭曲的描绘；波洛克也从墨西哥壁画家奥罗斯科（José Clemente Orozco）和西凯罗斯（David Alfaro Siqueiros）的作品中攫取了那种强烈的社会意识表现风格。

而1939年在MoMA看到的一场毕加索个展成为波洛克探索时期创作的分水岭，他有意识地借鉴毕加索的主题和创作元素进行尝试。同年，他因酗酒和抑郁症而接受荣格心理治疗，卡尔·荣格（Carl Jung）的集体无意识等理论也对波洛克后来的创作产生了深远的影响。

过渡时期作品（1944-1947）

1944-1947年是波洛克创作的转型过渡期。由于早期对于诸多风格的模仿和尝试，波洛克逐渐树立了自身绘画语言的自信心。1943年，他与佩姬·古根海姆（Peggy Guggenheim）签订了一年的合约，并在其位于纽约的画廊Art of This Century举办了首次个展，自此开始逐渐引起圈内人的关注。

1942年，波洛克结识了画家李·克拉斯纳（Lee Krasner），这成为他人生的重要转折点，李·克拉斯纳在生活和事业上都为波洛克带来了强大的支撑，二人于1945年结婚后搬到长岛进行创作。这期间，波洛克尝试将厚重的颜料交织涂洒于画布上，抽象表现风格日趋明显，终于在1946年完成了首张完全由颜料滴洒而创作出的代表作品。

成熟时期作品（1948-1954）

1947年起，波洛克开始将画布铺在地面上，并用硬刷、棍子甚至是涂油注射器作为绘画工具，把颜料泼洒和滴落在画布上。他围绕着画布的四周作画，挥洒出交织错落的颜料，从而营造出一种行动的韵律感。

1948-1950年期间，其广为人知的“滴画”系列在纽约Betty Parsons Gallery画廊展出，从而备受关注。20世纪50年代，波洛克声名远扬，他成为美国战后绘画的代表人物跻身国际画坛，但成名带来的巨大压力使得波洛克饱受抑郁症的摧残并持续嗜酒。

1952年后，波洛克试图超越“滴画”进行新的探索，从而回归用画笔在帆布上进行创作。然而，1953年至1956年期间，波洛克仅创作出10幅作品，“滴画”成为了艺术史上的一座里程碑，却也成为艺术家本人无法翻越的一座高峰。（摘自ArtDaily，编译/良月）